miércoles, 12 de marzo de 2014

SOBRE "LA FUNDACIÓN" DE BUERO VALLEJO

Número de la revista
teatral Primer acto,
dedicado a
 La Fundación
Tras la lectura de La fundación de Antonio Buero Vallejo es buen momento para profundizar en la obra y en el autor. Para ello nos acercameros a dos escritos de Buero Vallejo y a dos documentos audiovisuales.
El primer texto es un fragmento de unas declaraciones de Buero (recogidas en "Mi teatro"), hechas en 1975, poco después de estrenar La fundación, que sitúan la obra en el conjunto de su trayectoria teatral hasta ese momento y en sintonía con su concepción de la literatura.

Yo empecé mi teatro con En la ardiente oscuridad, porque fue la primera obra que escribí aunque no la primera que estrené, y por ahora lo he terminado con La fundación. Ya en algún sitio he dejado apuntado, cómo, en el fondo, en aquella primera obra y en esta se habla de lo mismo. Se habla de dos Instituciones o Fundaciones cuya mentira hay que revelar y desenmascarar.

Y el tema es el mismo, porque cada escritor, en cada momento, se encuentra con sus Instituciones o Fundaciones o con su Sociedad, como Cervantes se encontró con la suya en su tiempo; y Cervantes, en su tiempo, escribió el Quijote, que acaso les parecería también insuficiente a los insatisfechos de entonces; pero ese libro representa hoy para nosotros una implacable respuesta literaria y crítica a la sociedad en que vivía y le asfixiaba.

Pues bien, modestísimamente, y al amparo de esas grandes figuras que me he atrevido a invocar como maestros míos, yo diría que, desde En la ardiente oscuridad hasta La Fundación estoy intentando, tal vez quijotescamente, enfrentarme con mis  Instituciones, con mis Fundaciones, que también son las de todos los presentes. El resultado enjuícienlo ustedes.

El segundo texto es un poema del autor que se titula igual que nuestra obra y que ayuda a penetrar en el sentido último de La fundación. Puede leerse en este enlace de la Biblioteca Virtual Miguel Cervantes.

Los dos documentos audiovisuales serán también de gran interés. El primero es la adaptación teatral que se grabó para Televisión Española en 1977. El segundo es una entrevista que el historiador Javier Tusell realizó en 1981 a Buero Vallejo sobre su vida, su obra y sobre su visión del mundo y de la literatura.



lunes, 10 de marzo de 2014

RUBÉN DARÍO, PIONERO DEL MICRORRELATO

Cuando estudiamos la literatura modernista de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siempre nos fijamos en la profunda renovación que Rubén Darío y sus seguidores hicieron de la métrica y del lenguaje poético. Lo que no se suele contar es que Rubén Darío también fue uno de los primeros autores que ensayó el moderno género del microrrelato (que por entonces aún no había recibido esta denominación ni ninguna otra en concreto). En estos tres microrrelatos que recojo a continuación están presentes los rasgos de este género (hiperbrevedad, narratividad) y la lengua refinada y exquisita del Modernismo. Además nos plantean cuestiones que tienen que ver con la nueva forma de entender el arte en esa época, con el esteticismo o culto a la Belleza que tanto buscaron en su literatura.
El primero, "Naturaleza muerta", aparecido en en Azul...(1888), nos presenta enfrentados la realidad y el arte, lo natural y lo artificial. El segundo, "El nacimiento de la col", nos muestra la necesaria compenetración que deben tener belleza y utilidad en toda creación. El último, "La resurrección de la rosa", nos enseña el triunfo de la belleza ante la muerte.

NATURALEZA MUERTA

Bodegón de frutas de Paul Cezanne (1895-1900)
He visto ayer por una ventana un tiesto lleno de lilas y de rosas pálidas, sobre un trípode. Por fondo tenía uno de esos cortinajes amarillos y opulentos, que hacen pensar en los mantos de los príncipes orientales. Las lilas recién cortadas resaltaban con su lindo color apacible, junto a los pétalos esponjados de las rosas té.
Junto al tiesto, en una copa de laca ornada con ibis de oro incrustado, incitaban a la gula manzanas frescas, medio coloradas, con la pelusilla de la fruta nueva y la sabrosa carne hinchada que toca el deseo; peras doradas y apetitosas, que daban indicios de ser todas jugo, y como esperando el cuchillo de plata que debía rebanar la pulpa almibarada; y un ramillete de uvas negras, hasta con el polvillo ceniciento de los racimos acabados de arrancar de la viña.
Acerqueme, vilo de cerca todo. Las lilas y las rosas eran de cera, las manzanas y las peras de mármol pintado, y las uvas de cristal.


EL NACIMIENTO DE LA COL
En el paraíso terrenal, en el día luminoso en que las flores fueron creadas, y antes de que Eva fuese tentada por la serpiente, el maligno espíritu se acercó a la más linda rosa nueva en el momento en que ella tendía, a la caricia del celesta sol, la roja virginidad de sus labios.
-Eres bella.
-Lo soy -dijo la rosa.
-Bella y feliz – prosiguió el diablo-. Tienes el color, la gracia y el aroma. Pero…
-¿Pero?...
-No eres útil. ¿No miras esos altos árboles llenos de bellotas? Ésos, a más de ser frondosos, dan alimento a muchedumbres de seres animados que se detienen bajo sus ramas. Rosa, ser bella es poco…
La rosa entonces –tentada como después lo sería la mujer- deseó la utilidad, de tal modo que hubo palidez en su púrpura.
Pasó el buen Dios después del alba siguiente.
-Padre –dijo aquella princesa floral, temblando en su perfumada belleza-, ¿queréis hacerme útil?
-Sea, hija mía –contestó el Señor, sonriendo.
Y entonces vio el mundo la primera col.


LA RESURRECCIÓN DE LA ROSA
Amiga pasajera: voy a contarte un cuento. Un hombre tenía una rosa; era una rosa que le había brotado del corazón. ¡Imagínese usted si la vería como un tesoro, si la cuidaría con afecto, si sería para el adorable y valiosa la tierna y querida flor! ¡Prodigio de Dios! La rosa era también un pájaro; parlaba dulcemente, y, en veces, su perfume era tan inefable y conmovedor, como si fuera la emanación mágica y dulce de una estrella que tuviera aroma.
Un día, el ángel Azrael pasó por la casa del hombre feliz, y fijó sus pupilas en la flor. La pobrecita tembló, y comenzó a padecer y estar triste, porque el ángel Azrael es el pálido e implacable mensajero de la muerte. La flor desfalleciente, ya casi sin aliento y sin vida, llenó de angustia al que en ella miraba su dicha. El hombre se volvió hacia el buen Dios, y le dijo: -Señor: ¿para qué me quieres quitar la flor que nos diste?
Y brilló en sus ojos una lágrima.
Conmoviose el bondadoso Padre, por virtud de la lágrima paternal, y dijo estas palabras:
-Azrael, deja vivir esa rosa. Toma, si quieres, cualquiera de las de mi jardín azul.
La rosa recobró el encanto  de la vida. Y ese día, un astrónomo vio, desde su observatorio, que se apagaba una estrella en el cielo.

jueves, 6 de marzo de 2014

DESEO DE SER PIEL ROJA, RÉQUIEM POR UN POETA

El deseo de ser piel roja
Si uno pudiera ser un piel roja siempre alerta, cabalgando sobre un caballo veloz, a través del viento, constantemente sacudido sobre la tierra estremecida, hasta arrojar las espuelas porque no hacen falta espuelas, hasta arrojar las riendas porque no hacen falta riendas, y apenas viera ante sí que el campo era una pradera rasa, habrían desaparecido las crines y la cabeza del caballo.
Franz Kafka

La muerte de Leopoldo María Panero supone el final de una forma de escribir poesía. El poeta radical, transgresor, provocador, genial, lúcido, experimental, loco, crítico, inclasificable, que fue Panero, nos ha dejado una literatura que nos pertubará en cuanto nos acerquemos a ella. 
Para ello os presento "Deseo de ser piel roja", de su primer libro -Así se fundó Carnaby Street-, un poema en el que se identifica con el piel roja, con el personaje que vivió en libertad pero que estaba condenado siempre a la derrota, una evocación  del fin del  mundo de los ideales y el fin de la infancia. El hombre, expulsado del paraíso. El hombre, a la conquista de un sueño.
Deseo de ser piel roja
La llanura infinita y el cielo su reflejo.
Deseo de ser piel roja.
A las ciudades sin aire llega a veces sin ruido
el relincho de un onagro o el trotar de un bisonte.
Deseo de ser piel roja.
Sitting Bull ha muerto: no hay tambores
que anuncien su llegada a las Grandes Praderas.
Deseo de ser piel roja.
El caballo de hierro cruza ahora sin miedo
desiertos abrasados de silencio.
Deseo de ser piel roja.
Sitting Bull ha muerto y no hay tambores
para hacerlo volver desde el reino de las sombras.
Deseo de ser piel roja.
Cruzó un último jinete la infinita
llanura, dejó tras de sí vana
polvareda, que luego se deshizo en el viento.
Deseo de ser piel roja.
En la Reservación no anida
serpiente cascabel, sino abandono.
DESEO DE SER PIEL ROJA.
(Sitting Bull ha muerto, los tambores
lo gritan sin esperar respuesta. )

En esta entrevista que Leopoldo María Panero concedió en el año 2000 a José Antonio Labordeta podemos acercarnos a este autor singular y descubrir sus obsesiones, su mundo creativo, sus lecturas, sus inquietudes,...



Death's door.
Dibujo de William Blake
Para terminar transcribo uno de sus poemas de Contra España y otros poemas no de amor, "Réquiem por un poeta", una visión de su propia muerte.

Réquiem por un poeta
(Death's door. Sugerido por un dibujo de Blake)
Qué es mi alma, preguntas
a una imagen atado.
Es un dios en la sombra
rezándole a la sombra.
Es quizá un esclavo
lamiendo con su lengua las sobras de la vida.
La soga que en el cuello
llevábamos atada fácil es desatarla,
por cuanto es ilusión sólo, lo mismo que la vida, que el dolor y la muerte y el sueño del dinero.
La vejez dicen sólo responde a tu pregunta.
Una piel arrugada y un hombre al que avergüenza
mirarse al sediento espejo.
Un día moriré. Un día estaré solo,
un alce cabalgando en la calle, y el aire
será para mis ojos la señal de la huida.
Ya no serán manos  mis manos,
ni un solo buen recuerdo
a la vida me ligará ya entonces.
Veré pasar un niño por la acera de espanto
y le preguntaré mi nombre si mañana renazco.

jueves, 27 de febrero de 2014

"LOS CUERNOS DE DON FRIOLERA", UN ESPERPENTO DE VALLE-INCLÁN

Don Manolito: ¿Cree usted que no ha servido de nada Don Quijote?
Ayer los alumnos de 2º de Bachillerato asistieron en el Teatro de la Estación a la representación de la obra "Diálogo de sombras" de Rafael Campos, a cargo de la compañía Tranvía Teatro. La obra plantea un hipotético encuentro entre Valle-Inclán y García Lorca, tras sus muertes en 1936, el uno de "viejo", el otro "de muy mala muerte". Junto a la Niña Presentación, personaje inocente y popular, muerta quizá también en el mismo año, los dos autores reflexionan sobre su tiempo, sobre España, sobre sus gentes, sobre el papel de la literatura, sobre el teatro,..., a la vez que van recreando escenas de sus obras y recitando poemas que escribieron. [En este enlace se puede consultar el cuaderno pedagógico que la compañía mandó al instituto y que aporta interesantes informaciones sobre la obra, sobre los textos que incorpora, y sobre el contexto histórico y cultural de la España de principios del siglo XX].

La primera escena que recrearon es el recitado del romance de ciego que aparece en el epílogo del esperpento de Valle-Inclán Los cuernos de Don Friolera, incluido en Martes de carnaval.
Los cuernos de Don Friolera se divide en tres partes: un prólogo y un epílogo, y entre ambos el esperpento desarrollado en doce escenas. En el prólogo aparecen dos personajes, don Estrafalario y don Manolito, que asisten a la representación de una farsa popular sobre el tema del marido cornudo y su venganza,  realizada por un ciego bululú en el corral de una posada. En el esperpento se cuenta la historia de Pascual Astete, teniente de carabineros (conocido popularmente como don Friolera), que recibe un anónimo, que pronto se conoce está escrito por Tadea Calderón, en el que se le anuncia que su mujer le engaña con otro hombre, el barbero Pachequín. El teniente duda entre perdonar o vengarse, pero el espectador pronto conoce que no ha habido ningún engaño. Tras muchas situaciones grotescas, los mandos de los carabineros instan al teniente a que lave su honor con sangre. Lo hace, borracho, disparando por la noche a su mujer que huye en compañía de su hija y del barbero. El desenlace no puede ser más fatal: muere la inocente hija. El epílogo está constituido por un espantoso romance de ciego, folletinesco y melodramático, que los personajes del prólogo escuchan recitar desde la cárcel: Friolera mata a su hija, luego a su mujer y al amante y termina condecorado y elevado a héroe nacional por los muchos moros que mató en Melilla. El romance sirvió a Valle-Inclán para quitar valor a los relatos épicos, al igual que la tragedia del prólogo quedó convertida en un simple sainete.
La obra presenta tres versiones de un mismo asunto y están relacionadas con las distintas maneras de ver el mundo: en pie (el prólogo), levantado en el aire (el esperpento) o de rodillas (el epílogo). Es, en definitiva, una parodia y sátira del tópico del honor calderoniano vigente en la sociedad española de entonces, una sátira antimilitarista (al igual que las otras dos obras que integran Martes de carnaval) y una parodia de los dramas melodramáticos de Echegaray que triunfaban en la escena española de principios del siglo XX.

Al final de la entrada (en más información) reproduzco el romance que recitaron al principio de la obra, ejemplo de la "mala literatura" que según don Estrafalario y don Manolito gustaba tanto al pueblo español: una literatura ridícula en la que los españoles aparecen "como unos bárbaros sanguinarios" y en la que se ve que "somos unos borregos". Don Estrafalario cree que "¡aún no hemos salido de los Libros de Caballerías!", es decir, de las ficciones intrascendentes que idealizan a sus protagonistas y que emboban a los lectores. De nada ha servido la lección de Don Quijote en opinión de don Estrafalario, portavoz de las ideas de Valle-Inclán.
Don Estrafalario invita al final a don Manolito a comprar y luego quemar el romance de ciego, esto es, a destruir una literatura que propaga en la sociedad española una trasnochada y rancia moral basada en la defensa del código del honor calderoniano.
[Para esta entrada he seguido los estudios que hicieron sobre esta obra Ángel Basanta, Manuel Aznar, Rodolfo Cardona y Anthony N. Zahareas].
Aprovecho para dejar la presentación que elaboré para explicar en clase el teatro de Valle-Inclán.


miércoles, 19 de febrero de 2014

REPASO INTERACTIVO SOBRE FUNCIONES SINTÁCTICAS

Os propongo un ejercicio interactivo para repasar todas las funciones sintácticas que hemos visto las últimas semanas. Ya sabéis que este ejercicio no se debe responder intuitivamente sino razonando todas las respuestas. Para ello conviene tener claros todos los procedimientos de reconocimiento de las diferentes funciones sintácticas y realizar la gimnasia verbal que practicamos en clase: sustituciones de sintagmas por pronombres, concordancias, transformaciones de activa a pasiva y viceversa, movimientos de sintagmas dentro de la oración,... Después de hacer esta actividad apuntad todas las dudas que tengáis  para preguntar en clase y resolver todos los problemas que hayan surgido.

jueves, 13 de febrero de 2014

LECTURA DE "LA CASA DE BERNARDA ALBA" (y III): UN DRAMA DE MUJERES

Cartel de la película de
Mario Camus (1987)

Bernarda: En ocho años que dure el luto no ha de entrar en esta casa el viento de la calle. Haceros cuenta que hemos tapiado con ladrillos puertas y ventanas. [Acto primero]

Adela: ¡Aquí se acabaron las voces de presidio! [Acto tercero]

García Lorca subtituló "La casa de Bernarda Alba" como "drama de mujeres en los pueblos de España". Vamos a comentar en un breve trabajo el protagonismo que el autor dio a las mujeres a partir de las palabras que dicen en la obra. Después de leído el drama, con ayuda de la introducción y el "estudio de la obra" que aparecen en la edición de la obra preparada por José Ramón López García (editorial Vicens Vives), vamos a caracterizar brevemente cómo son las mujeres que aparecen en la obra entresacando del drama tres parlamentos o intervenciones (por lo menos) de cada una para, a partir de sus palabras, explicar cómo son y cómo se comportan.
No debemos olvidar en nuestra descripción de los personajes que Bernarda, Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela se convierten en encarnaciones de un conflicto que "del primero al último silencio impuesto por la voluntad de Bernarda se desarrolla [...] entre dos fuerzas mayores: el principio de autoridad encarnado en Bernarda y el principio de libertad representado por las hijas", como apuntó Francisco Ruiz Ramón.

viernes, 7 de febrero de 2014

LUIS FELIPE ALEGRE DA VIDA A LA POESíA

Ayer pudimos asistir en el IES "Pablo Serrano" de Zaragoza a dos estupendos recitales poéticos  a cargo del actor y rapsoda Luis Felipe Alegre de El silbo vulnerado. Los alumnos de 2º de Bachillerato presenciaron el recital del Romancero gitano de García Lorca en el que combinó recitación, diapositivas con dibujos de Lorca y comentarios que daban luz a esos geniales versos. Tal como nos dijo, realizó una "lectura técnica, forense, académica" de la obra, aunque no faltaron guiños y aportaciones personales (como la de La casada infiel), propias de los grandes recitadores, especie hoy desgraciadamente en vías de extinción. Fue desgranando la recitación de los romances con gran maestría, equilibrando expresividad y ritmo, pero el fastidioso timbre de cambio de clase puso un fin abrupto al recital y no se pudo cerrar con el Romance de la Guardia Civil española.
Los alumnos de 4º de ESO asistieron a un recital de Variedades poéticas que, siguiendo un hilo cronológico, presentó algunas de los textos más representativos de la literatura española de los siglos XIX y XX. No faltaron los poemas de Espronceda (desde la célebre "Canción del pirata" hasta otros más subidos de tono  atribuidos a él), una rima de Bécquer, anécdotas y chascarrillos sobre "Don Juan Tenorio" de Zorrilla, referencias a textos en prosa del Realismo y del Naturalismo (de Galdós leyó un fragmento de su novela Fortunata y Jacinta), epigramas satíricos y versos jocosos de Del Palacio o Príncipe sobre las modas literarias de la época y poemas de Rubén Darío, el padre del Modernismo, entre los que recitó varias estrofas de "Canción de otoño en primavera".
El tiempo se echaba encima y, aunque faltaban poemas de autores del siglo XX como Antonio Machado o León Felipe, prefirió cerrar la actuación con el "Romance de la infanticida", un romance de ciego que interpretó perfectamente a la manera en que se hizo en España durante años hasta bien entrado el siglo XX, con un lienzo con dibujos y una entonación y un ritmo particular. El de los romances de ciego es un género de carácter popular, alejado de la literatura culta y que narra generalmente sucesos truculentos de los que el recitador nos quiere convencer que son reales. Os dejo la versión de Joaquín Díaz para que podáis leer un ejemplo de este tipo de literatura (infraliteratura para muchos) que rara vez atendemos en clase, aunque fue siempre del gusto del gran público y parodiado por autores como Valle-Inclán. Igual que en el primer recital, el aplauso de todos los asistentes premió la actuación de Luis Felipe Alegre, un hombre que da vida a la poesía.

ROMANCE DE LA INFANTICIDA
Más arribita de Burgos hay una pequeña aldea
donde vive un comerciante, que vende paños y sedas.
Tiene una mujer bonita, -valía más que fuera fea-
tiene un hijo de cinco años, la cosa más parlotera.
Todo lo que pasa en casa, a su padre se lo cuenta;
su padre, por más quererlo, en las rodillas le sienta.
- Ven aquí tú, hijo querido, ven aquí, mi dulce prenda,
quiero que todo me digas; en esta casa, ¿quién entra?
- Padre de mi corazón, el alférez de esta aldea
que llega todos los días y con mi madre conversa
con mi madre come y bebe, con mi madre pone mesa,
con mi madre va a la cama, como si usted mismo fuera.
A mí me dan un ochavo pa jugar a la rayuela,
y yo, como picarzuelo, me escondo tras de la puerta.
Mi madre estaba mirando, y me dijo que me fuera:
- Deja que venga tu padre, que te va a arrancar la lengua.
Mal le ha sentado al señor el que aquello se supiera,
después ha salido a un viaje de siete leguas y media.
Un día estando jugando con los niños de la escuela,
ha ido a buscarle su madre, a peinar su cabellera.
Ha cuarteado su cuerpo, le ha tirado en una artesa,
y el peinado que le ha hecho, fue cortarle la cabeza.
La coloca entre dos platos y el alférez se la entrega:
- Señora, se les castiga, pero no de esa manera;
haberle dado cuatro azotes y haberle echado a la escuela.
Tras de tiempos llegan tiempos y el marido ya regresa.
Ella ha salido a buscarle, y le ha encontrado en la puerta.
- Entra, maridito, entra, que te tengo una gran cena,
los sesitos de un cabrito, las agallas y la lengua.
- ¿Qué me importa a mí de eso? ¿Qué me importa de la cena?
Te pregunto por mi hijo que no ha salido a la puerta.
- Entra, maridito, entra, por tu hijo nada temas,
que le dí pan esta tarde y se fué pa ca su abuela;
como cosa de chiquillos, está jugando con ella.
Se pusieron a cenar, y oye una voz que le suena.
- Padre de mi corazón, no coma usted de esa cena,
que salió de sus entrañas y no es justo que a ellas vuelva.
Se ha levantado el señor, la busca de su hijo empieza,
le ha encontrado cuarteado, partidito en una artesa.
La ha agarrado de los pelos, barre la casa con ella,
y después de golpearla, a la autoridad la entrega.
Unos dicen que matarla; otros, lo mismo con ella,
otros dicen que arrastrarla, de la cola de una yegua.

LA VIDA DE LAS PALABRAS

Ilustración que acompaña el reportaje de
El mensual de 20 minutos
Os dejo el enlace para consultar y leer un interesante reportaje aparecido en El mensual de 20 minutos de este mes de febrero (de la página 12 a la 17) sobre la preparación de la nueva edición del Diccionario de la lengua española que verá la luz en octubre de este año. El título del reportaje es "Palabras que nacen, se reproducen y mueren" y recoge variadas informaciones sobre los cambios que se producirán en esta nuva versión: palabras que aparecen por primera vez, palabras que ven modificadas sus acepciones y palabras que desaparecen.
También se incluye en este reportaje una sección dedicada al Nuevo Tesoro Lexicográfico de la Lengua Española, que se puede consultar en la web de la Real Academia Española, para poder comparar las acepciones de las palabras a lo largo de la historia. se muestran los cambios de significado que han sufrido palabras como matrimonio, invertido, novio,-a, gozar, dictador, femenino,-a, o tableta desde el siglo XVIII hasta la actualidad. Muy interesante para los más curiosos.

miércoles, 5 de febrero de 2014

LECTURA DE "LA CASA DE BERNARDA ALBA" (II): REDACTAMOS UNA CRÍTICA TEATRAL

Después de asistir a la representación teatral de "La casa de Bernarda Alba" en la versión de la compañía "Teatro de los caminos" y de leer la obra, nos toca valorar en un breve texto lo que vimos y oímos en el espectáculo. Vamos a escribir una crítica teatral. Para ello nos fijaremos en unos cuantos aspectos de la obra y de su representación.

Introducción
  •  Identificamos el título de la obra, el autor, la fecha de composición, el género dramático, el nombre de la compañía, la fecha y el lugar donde se ha representado.
Sobre la obra y su adaptación
  • Resumimos brevemente el argumento de la obra sin desvelar el desenlace, señalamos quiénes son los protagonistas y fijamos los temas principales que aborda la obra.
  • Comentamos brevemente la obra en la trayectoria literaria del autor.
  • Explicamos si el texto original ha sufrido o no variaciones en la obra que hemos visto y el resultado conseguido.
Sobre la interpretación
  • Valoramos la interpretación de las diferentes actrices: dicción o pronunciación, entonación, gestos, movimientos, papeles representados. Indicamos si nos han resultado convincentes o no sus interpretaciones. Destacamos a la actriz que mejor ha interpretado su papel  y justificamos nuestra elección.
Sobre la puesta en escena
  • Damos nuestra opinión acerca de los decorados,  la iluminación, la música y los efectos sonoros empleados en la puesta en escena de la obra.
  • Señalamos posibles cambios o mejoras en alguno de estos aspectos  escénicos.
Valoración global
  • Resumimos brevemente nuestra opinión acerca del espectáculo  presenciado: ¿ha sido interesante?, ¿tiene relación con lo estudiado en clase?, ¿nos ha parecido mejor o peor que otras obras teatrales vistas?, ¿recomendaríamos esta obra?,...
Cada uno de estos apartados puede desarrollarse en uno o dos párrafos sin necesidad de especificar el título de cada una de las partes en nuestro escrito. Después de la redacción del texto no debemos olvidar una revisión y corrección del mismo. Para ello se pueden seguir las indicaciones de esta otra entrada del blog: mejorar la expresión escrita.

martes, 4 de febrero de 2014

LAS PERÍFRASIS VERBALES

Una perífrasis verbal es una construcción integrada por dos formas verbales, la primera un verbo auxiliar y la segunda una forma no personal; entre ambas puede aparecer un nexo (las preposiciones a o de o la conjunción que). La perífrasis verbal presenta una unidad funcional, esto es, toda la estructura verbo auxiliar + (nexo) + forma no personal constituye el núcleo de un único sintagma verbal (SV): "tienes que gritar" es un único núcleo del sintagma verbal.
  • El verbo auxiliar aparece en primer lugar y es el portador de los morfemas de persona, número, tiempo, aspecto y modo: "tienes: segunda persona del singular de presente de indicativo"
  • La forma no personal del verbo (infinitivo, gerundio o participio) es la portadora del significado léxico: el infinitivo "gritar quiere decir "acción de elevar la voz". El sujeto y los complementos del verbo son seleccionados por la forma no personal.
La perífrasis verbal, sin embargo, no forma una unidad léxica ya que entre sus elementos se pueden intercalar otras palabras: "tienes forzosamente que gritar".
La perífrasis verbal posee un un significado unitario pues el verbo auxiliar pierde o ve modificado su significado habitual y pasa a tener un significado gramatical. En el ejemplo que hemos dado el significado unitario de la perífrasis es la "obligatoriedad de realizar la acción de elevar la voz".
Reconoceremos una perífrasis verbal comprobando si la primera forma verbal tiene signficado léxico o no: si no tiene significado léxico, habrá perífrasis; si tiene significado léxico no habrá perífrasis. Así, en "ella se echó a reír" la forma verbal "se echó" carece de significado léxico: ella no se echó a ningún sitio, por lo que "se echó a reír" forma una perífrasis. En cambio, en "ella se echó a descansar a la cama", la forma verbal se echó sí tiene significado léxico: ella "se acostó" en la cama, así que no hay perífrasis verbal en este caso. 
Para repasar los tipos de perífrasis y realizar algún ejercicio de refuerzo podéis consultar la siguiente presentación.

jueves, 30 de enero de 2014

LA MÚSICA DEL "ROMANCERO GITANO" DE GARCÍA LORCA

El "Romancero gitano" de García Lorca sigue siendo en el siglo XXI fuente de inspiración artística para el teatro, la danza, la pintura y la música. Luis Felipe Alegre, actor y rapsoda de El silbo vulnerado, nos presentará el próximo 6 de febrero en el instituto su recital sobre esta obra.
También los músicos siguen encontrando en esta obra un filón inagotable: desde los flamencos a los rockeros, desde los clásicos a los raperos, muchos se han acercado a García Lorca para hacer una interpretación de ese mundo tan rico y personal. En esta entrada os dejo algunas de las versiones musicales más sugerentes que se han hecho a partir de los romances de este libro: algunas siguen escrupulosamente la obra, otras ofrecen una adaptación más personal. Espero que os gusten.
Dejo en primer lugar la versión del gran Camarón de la Isla del primer romance del libro, "Romance de la luna, luna". A continuación de este vídeo, haciendo clic en más información,  podéis encontrar las demás.


lunes, 27 de enero de 2014

MEMORIA DEL HOLOCAUSTO: JORGE GUILLÉN


Se avergüenza la Tierra de tantas crueldades

Jorge Guillén

El 27 de enero se conmemora el Día Internacional en Memoria de las Víctimas del Holocausto con diferentes actos en todo el mundo. En el blog recordamos dos poemas de Jorge Guillén, poeta de la generación del 27, muy preocupado siempre por el genocidio nazi que marcó tan dramáticamente la historia mundial.
En el primer poema homenajea a Radnóti, poeta judío de Hungría, muerto en un campo de concentración, como millones de víctimas en aquellos años de humillación y violencia. Se leen con estremecimiento todos sus versos y, especialmente, los últimos, que en medio de tanto sufrimiento y de tanta muerte, nos recuerdan que los nazis pudieron matar físicamente al hombre pero no a sus versos. Un canto a todas las víctimas del Holocausto y un canto al poder de la palabra.
En el segundo poema, "Exterminio en Auschwitz", con un estilo seco y cortante, contrapone la verdad de la historia  de Auschwitz, "máximo crimen de Historia europea", con la postura interesada y perniciosa de aquellos que niegan que existiera aquel exterminio planificado de judíos, gitanos, discapacitados, homosexuales y luchadores por la libertad y la justicia.

AL MARGEN DE RADNÓTI
                                 Miklós Radnóti (1909-1944)

Última resistencia: Poesía

Solo unos hombres pueden, minuciosos,
Humillar tanto al hombre,
Reducido a ser pasta de una masa,
Ya solo con derecho a su agonía.
Hebreos son de un "lager", un lagar
Donde fermenta infierno.
¿Batalla? Se destruye a los inermes.
He aquí, todavía,
Tras varios años de abominaciones,
A quien no puede apenas caminar:
La extenuación le rinde.
En los bolsillos guarda los papeles
Donde apunta vocablos.
¡Orden, y verdadero, del Poema!
Va salvándose allí la criatura
De amor que aún escribe ante la muerte.
"La muerte es ya una flor de la paciencia".
Aguanta el alma. Sin vigor el cuerpo,
No seguirá adelante. Se le exige
Cavar su fosa. ¡Bien!
Un disparo en la nuca. No se fija
Nadie. Cadáver con sus versos, vivos.


EXTERMINIO EN AUSCHWITZ


I
Ese máximo crimen de la Historia europea,
Un fondo irracional que ya es locura,
Se mantiene ejerciendo la razón razonante
Con gran embriaguez: asesinatos.
Se cuentan por millones los del todo difuntos:
Máximo crimen de Historia europea.


II
Estos mediterráneos mozuelos
No creen en aquel horror de Auschwitz.
Víctimas son de sociedad corrupta.
¿No mata? Continúa corrompiendo.
“Mi juventud... Fue juventud la mía.”
¡Con el error tal mocedad se alía!
Hay quien se salva. Valga la esperanza.

jueves, 23 de enero de 2014

LECTURA DE "LA CASA DE BERNARDA ALBA" (I): EL TEATRO SEGÚN GARCÍA LORCA

Cartel del estreno de
La casa de Bernarda 
Alba (1945)
Después de la lectura de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca, vamos a realizar durante las próximas semanas varias actividades para profundizar en el mundo literario del autor y para analizar y comentar la obra leída.
La primera actvidad será la asistencia a  la representación teatral de la obra el próximo martes 28 de enero. Esto nos permitirá poder vivir la verdadera naturaleza del teatro, el texto literario que se convierte en espectáculo.
Para acercarnos a lo que García Lorca pensaba sobre el teatro vamos a leer unos breves textos entresacados de declaraciones y escritos del propio autor, realizados poco antes de terminar la composición de La casa de Bernarda Alba en junio de 1936, obra que no sería estrenada hasta 1945 en Buenos Aires, por iniciativa de la actriz Margarita Xirgu. En esos textos reflexiona acerca de la naturaleza del teatro, de cómo han de ser los personajes que le dan vida al teatro, así como del papel del autor dramático y su relación con el público. Las palabras de García Lorca, para quien "el teatro fue siempre mi vocación", nos ayudarán a entender mejor su teatro.

Sobre el teatro y los personajes
Tengo un concepto del teatro en cierta forma personal y resistente. El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse humana, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre. Han de ser tan humanos, tan horrorosamente trágicos y ligados a la vida y al día con una fuerza tal, que muestren sus traiciones, que se aprecien sus olores y que salga a los labios toda la valentía de sus palabras llenas de amor o de ascos. [Declaraciones a La Voz, 7 de abril de 1936]

Sobre el teatro y el público
No voy a levantar el telón para alegrar al público con un juego de palabras, ni con un panorama donde se vea una casa en la que nada ocurre y donde dirige el teatro sus luces, para entretener y haceros creer que la vida es eso. No! El poeta con todos sus cinco sentidos en perfecto estado de salud, va a tener, no el gusto, sino el sentimiento de enseñaros esta noche un pequeño rincón de realidad.[...] Venís al teatro con el afán único de divertiros y tenéis autores a los que pagáis, y es muy justo, pero hoy el poeta os hace una encerrona, porque quiere y aspira a conmover vuestros corazones, enseñando, las cosas que no queréis ver, gritando las simplísimas verdades que no queréis oír. [Palabras del "Autor" en Comedia sin título (1935-1936)]

Sobre el papel del autor de teatro
En este momento dramático del mundo, el artista debe llorar y reír con su pueblo. Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango hasta la cintura para ayudar a los que buscan las azucenas. Particularmente, yo tengo una ansia verdadera por comunicarme con los demás. Por eso llamé a las puertas del teatro y al teatro consagro toda mi sensibilidad. [...] Sé que la poesía eleva [...]. Pero el dolor del hombre y la injusticia constante que mana del mundo, y mi propio cuerpo y mi propio pensamiento, me evitan trasladar mi casa a las estrellas. [Declaraciones a El Sol, 10 de junio de 1936]

lunes, 20 de enero de 2014

LA COHESIÓN TEXTUAL

La cohesión se define como la manifestación lingüística de la coherencia, es decir, la perfecta articulación de todos los elementos lingüísticos (oraciones, palabras,…) que se van a emplear en el texto. 
Las distintas partes del texto deben estar formalmente conectadas entre sí a través de mecanismos lingüísticos o procedimientos de cohesión textual: repeticiones o recurrencias, sustituciones, elipsis y marcadores textuales.
En esta presentación que he preparado encontraréis el desarrollo de los diferentes procedimientos de cohesión textual.
 

REALISMO ESPAÑOL: PON A PRUEBA TUS CONOCIMIENTOS

Os propongo, como actividad final sobre el tema del Realismo literario, después de las explicaciones de clase y las diferentes lecturas y comentarios realizados, una pequeña prueba que he preparado para poner a prueba vuestros conocimientos sobre algunos de los asuntos tratados en clase:

jueves, 16 de enero de 2014

LA BÚSQUEDA DE LA IMAGEN POÉTICA EN GARCÍA LORCA

En 1926 García Lorca pronunció en Granada su conferencia La imagen poética en Góngora.  El escritor barroco fue para los autores de la generación del 27 el ejemplo de poeta auténtico, exigente e inspirado, creador de un nuevo lenguaje poético digno de ser imitado por su belleza formal. La imagen poética, la metáfora, nos dirá Lorca en esa conferencia, "une dos mundos antagónicos por medio de una salto de la imaginación", por lo que se convierte en el recurso del que se vale el poeta para conectar los diferentes planos de la realidad.
En esa conferencia García Lorca medita sobre el momento de la creación del poema. Lo identifica con una cacería nocturna. La oscuridad, la noche, el misterio, el peligro son ingredientes de esa lucha. Pero a todo ello hay que sumar la necesidad del orden y el control para no caer en el engaño de la facilidad. El poeta debe acudir a la cacería con sus cinco sentidos corporales alerta. En el equilibrio entre inspiración y disciplina radica la genialidad del poeta. Y en eso, Góngora y García Lorca son dos maestros.
Con estas palabras recoge García Lorca en dicha conferencia ese momento mágico de la creación.

El poeta que va a hacer un poema (lo sé por experiencia propia) tiene la sensación vaga de que va a una cacería nocturna en un bosque lejanísimo. Un miedo inexplicable rumorea en el corazón. Para serenarse, siempre es conveniente beber un vaso de agua fresca y hacer con la pluma negros rasgos sin sentido. Digo negros, porque... ahora voy a hacerles una revelación íntima.... yo no uso tinta de colores. Va el poeta a una cacería. Delicados aires enfrían el cristal de sus ojos. La luna, redonda como una cuerna de blando metal, suena en el silencio de las ramas últimas. Ciervos blancos aparecen en los claros de los troncos. La noche entera se recoge bajo una pantalla de rumor. Aguas profundas y quietas cabrillean entre los juncos... Hay que salir. Y éste es el momento peligroso para el poeta. El poeta debe llevar un plano de los sitios que va a recorrer y debe estar sereno frente a las mil bellezas y las mil fealdades disfrazadas de belleza que han de pasar ante sus ojos. Debe tapar sus oídos como Ulises frente a las sirenas, y debe lanzar sus flechas sobre las metáforas vivas, y no figuradas o falsas, que le van acompañando. Momento peligroso si el poeta se entrega, porque como lo haga, no podrá nunca levantar su obra. El poeta debe ir a su cacería limpio y sereno, hasta disfrazado. Se mantendrá firme contra los espejismos y acechará cautelosamente las carnes palpitantes y reales que armonicen con el plano del poema que lleva entrevisto. Hay a veces que dar grandes gritos en la soledad poética para ahuyentar los malos espíritus fáciles que quieren llevarnos a los halagos populares sin sentido estético y sin orden ni belleza. Nadie como Góngora preparado para esta cacería interior. No le asombran en su paisaje mental las imágenes coloreadas, ni las brillantes en demasía. Él caza la que casi nadie ve, porque la encuentra sin relaciones, imagen blanca y rezagada, que anima sus momentos poemáticos insospechados. Su fantasía cuenta con sus cinco sentidos corporales. Sus cinco sentidos, como cinco esclavos sin color que le obedecen a ciegas y no lo engañan como a los demás mortales. Intuye con claridad que la naturaleza que salió de las manos de Dios no es la naturaleza que debe vivir en los poemas, y ordena sus paisajes analizando sus componentes.

martes, 14 de enero de 2014

LA NOVELA, IMAGEN DE LA VIDA

Una novela es un espejo que se pasea por un ancho camino (Stendhal)
Ilustración de Fernando Vicente
En 1897 Benito Pérez Galdós leyó su discurso de ingreso en la Real Academia Española (titulado "La sociedad presente como materia novelable"). En él trataba de cómo debía ser para el escritor la composición de una novela. En las siguientes palabras, entresacadas de su discurso, podéis comprobar cómo nada debe escapar al arte de la novela y cómo el propósito estético de la literatura no debe subordinarse al principio de exactitud del Realismo.

Imagen de la vida es la novela, y el arte de componerla estriba en reproducir los caracteres humanos, las pasiones, las debilidades, lo grande y lo pequeño, las almas y las fisonomías, todo lo espiritual y lo físico que nos constituye y nos rodea, y el lenguaje, que es la marca de raza, y las viviendas, que son el signo de familia, y la vestidura, que diseña los últimos trazos externos de la personalidad: todo esto sin olvidar que debe existir perfecto fiel de balanza entre la exactitud y la belleza de la reproducción.

Os dejo las peresentaciones que elaboré para explicar en clase las novelas de Galdós y "La Regenta" de Clarín.



lunes, 13 de enero de 2014

"¡ADIÓS, CORDERA!", UN RELATO REALISTA

¡Eran tres, siempre los tres!: Rosa, Pinín y la Cordera.

Escultura en Oviedo dedicada a los
protagonistas del cuento
Después de haber leído el cuento ¡Adiós, "Cordera"! de Leopoldo Alas "Clarín", es momento de profundizar en esta lectura, ejemplo de la nueva literatura de la segunda mitad del siglo XIX que hemos estudiado. En Internet encontramos varias propuestas de lectura que se pueden consultar (como esta de edu365.cat, muy recomendable), si bien nosotros seguiremos una propia y más breve, a partir del cuestionario que propongo a continuación y que deberéis responder en vuestros cuadernos.

El autor
  • Busca información en el libro sobre "Clarín" y redacta una breve biografía de cinco líneas.
Plano de la historia
  • Resume el argumento del cuento en unas quince líneas.
  • Caracteriza cómo son los protagonistas del cuento: Rosa, Pinín y la "Cordera". Describe brevemente otros personajes que aparecen en la historia: el padre, la madre, el amo, el rey.
  • Localiza el tiempo y el espacio en el que transcurren los acontecimientos narrados. Las alusiones al ferrocarril, el telégrafo y la tercera guerra carlista y las referencias a localidades como Puao, Candás, Oviedo o Gijón nos ayudarán en la tarea. Comenta cómo el medio influye en los personajes.
Plano del relato
  • Explica cómo es el narrador del relato haciendo alusión a algún pasaje del cuento. Señala cómo nos presenta a los personajes de diferentes maneras: desde la ternura a la crítica.
  • Identifica las tres partes en que se estructura el cuento: el planteamiento, el nudo y el desenlace. Comenta el paralelismo existente entre lo que le ocurre a "Cordera" y a Pinín.
  • Busca ejemplos de fragmentos narrativos, descriptivos y dialogados en el cuento. Recopila los asturianismos que emplea el autor.
Significado e intención del cuento
  • Valora cómo el cuento se organiza mediante diferentes oposiciones y contrastes (entre lo autóctono y lo foráneo, entre la vida rural y la vida urbana, entre la felicidad y el progreso económico y técnico) y cómo se remarcan los paralelismos existentes entre la "patria familiar" y la "patria grande" y entre el final de "Cordera" y el de Pinín.
  • Señala cuál era la intención de "Clarín"  al escribir el cuento.
  • Comenta brevemente por qué este cuento es un relato representativo del Realismo y del Naturalismo y qué diferencias presenta con las narraciones románticas que hemos leído anteriormente (las leyendas de Bécquer).
Valoración
  • Redacta en unas pocas líneas tu opinión sobre el cuento, valorando los aspectos que más te hayan llamado la atención.

viernes, 10 de enero de 2014

MANIFIESTO POR UNA POESÍA IMPURA

En el número de octubre de 1935 de la revista "Caballo verde para la poesía" apareció el texto "Sobre una poesía sin pureza", un auténtico manifiesto por una poesía impura, escrito por el poeta chileno Pablo Neruda. Supuso la constatación del final de la poesía pura e intelectual y la vuelta a una poesía preocupada por las circunstancias humanas y sociales, fruto del influjo del Surrealismo y de la coyuntura política. Como en clase solo hemos leído un fragmento de este precioso texto, os lo dejo ahora completo.

Es muy conveniente, en ciertas horas del día o de la noche, observar profundamente los objetos en descanso: las ruedas que han recorrido largas, polvorientas distancias, soportando grandes cargas vegetales o minerales, los sacos de las carbonerías, los barriles, las cestas, los mangos y asas de los instrumentos del carpintero. De ello se desprende el contacto del hombre y de la tierra como una lección para el torturado poeta lírico. Las superficies usadas, el gasto que las manos han infligido a las cosas, la atmósfera a menudo trágica y siempre patética de estos objetos, infunde una especie de atracción no despreciable hacia la realidad del mundo.

La confusa impureza de los seres humanos se percibe en ellos, la agrupación, uso y desuso de los materiales, las huellas del pie y los dedos, la constancia de una atmósfera inundando las cosas desde lo interno y lo externo.

Así sea la poesía que buscamos, gastada como por un ácido por los deberes de la mano, penetrada por el sudor y el humo, oliente a orina y a azucena, salpicada por las diversas profesiones que se ejercen dentro y fuera de la ley.

Una poesía impura como un traje, como un cuerpo, con manchas de nutrición, y actitudes vergonzosas, con arrugas, observaciones, sueños, vigilia, profecías, declaraciones de amor y de odio, bestias, sacudidas, idilios, creencias políticas, negaciones, dudas, afirmaciones, impuestos.

La sagrada ley del madrigal y los decretos del tacto, olfato, gusto, vista, oído, el deseo de justicia, el deseo sexual, el ruido del océano, sin excluir deliberadamente nada, sin aceptar deliberadamente nada, la entrada en la profundidad de las cosas en un acto de arrebatado amor, y el producto poesía manchado de palomas digitales, con huellas de dientes y hielo, roído tal vez levemente por el sudor y el uso. Hasta alcanzar esa dulce superficie del instrumento tocado sin descanso, esa suavidad durísima de la madera manejada, del orgulloso hierro. La flor, el trigo, el agua tienen también esa consistencia especial, ese recuerdo de un magnífico tacto.

Y no olvidemos nunca la melancolía, el gastado sentimentalismo, perfectos frutos impuros de maravillosa calidad olvidada, dejados atrás por el frenético libresco: la luz de la luna, el cisne en el anochecer, «corazón mío» son sin duda lo poético elemental e imprescindible. Quien huye del mal gusto cae en el hielo.

jueves, 9 de enero de 2014

EL ESTÍMULO SURREALISTA

Óscar Domínguez, La Fiute de Toureau (1939)
En 1969 Jorge Guillén, uno de los poetas de la generación del 27, profesor de literatura y crítico literario, escribió un artículo titulado "El estímulo superrealista", recogido en una publicación realizada en homenaje a Dámaso Alonso, otro de los poetas de esa generación. En este artículo valoraba la recepción que tuvo en España el movimiento surrealista, "una invitación al riesgo -al gallardo riesgo- de la libertad imaginativa". Entresaco de ese mismo estudio estas palabras suyas que nos ayudarán a entender mejor, desde nuestro presente, la influencia del Surrealismo en la literatura española de los años veinte y treinta, en especial el empleo de la imagen visionaria de raíz irracional, la heterodoxia con la que se siguieron los postulados surrealistas entre los poetas españoles, alejados de la la "escritura automática", y el enriquecimiento que supuso en las trayectorias poéticas de los autores del 27.

Por una o por otra senda, aquel cultivo de la imagen, profunda hasta sus raíces irracionales, iba más allá del juego arbitrario y podía revelar al hombre, libre en su vraie vie, -como quería Rimbaud-. Los ojos de hoy, miopes acaso, perciben mal aquellos poemas y los creen ejercicios formales. Si el lector se acerca, descubre lo que son: irrupciones de vitalidad. De ahí la eficacia surrealista, su valor de estímulo. Y como todo en nuestro siglo se propaga con alcance internacional y tiende a la sencillez de los carteles, el surrealismo cobró fuerza imperativa, y alguien ajeno a ese influjo pareció -sobre todo a posteriori, ante el crítico- no cumplir con su deber: el incontaminado era culpable. Pero la vida, más compleja que la abstracción, no se desarrolla simplemente. En aquellos años, tan jugosos de experiencia literaria, los españoles, sensibles al incentivo superrealista, compusieron sin vacilación prudente obras donde intervenían, como es natural, subconciencia y conciencia. A la intuición acompaña la razón en la gran poesía. El brote irracional no constituye por sí solo el poema, y muy pocas veces campa por sus respetos. Aquel estilo se redujo, pues, a una transición parcial. Bretón habría excomulgado, en fin de cuentas, a los tránsfugas, nunca "regulares", nunca atraídos por la idea-límite de aquella teoría. Precisamente porque no llegaron en forme extreme de l'aspiration surréaliste, á sa plus forte "idee limite" lograron su propia madurez y compusieron sus propios poemas originales Federico García Lorca, Vicente Aleixandre, Emilio Prados, Luis Cernuda, Rafael Alberti, Manuel Altolaguirre. Cierto, ninguno de ellos ignoró aquel surrealismo casi inevitable.