LA MÚSICA DEL "ROMANCERO GITANO" DE GARCÍA LORCA

El "Romancero gitano" de García Lorca sigue siendo en el siglo XXI fuente de inspiración artística para el teatro, la danza, la pintura y la música. Luis Felipe Alegre, actor y rapsoda de El silbo vulnerado, nos presentará el próximo 6 de febrero en el instituto su recital sobre esta obra.
También los músicos siguen encontrando en esta obra un filón inagotable: desde los flamencos a los rockeros, desde los clásicos a los raperos, muchos se han acercado a García Lorca para hacer una interpretación de ese mundo tan rico y personal. En esta entrada os dejo algunas de las versiones musicales más sugerentes que se han hecho a partir de los romances de este libro: algunas siguen escrupulosamente la obra, otras ofrecen una adaptación más personal. Espero que os gusten.

Dejo en primer lugar la versión del gran Camarón de la Isla del primer romance del libro, "Romance de la luna, luna". A continuación de este vídeo, haciendo clic en más información,  podéis encontrar las demás.

MEMORIA DEL HOLOCAUSTO: JORGE GUILLÉN

Se avergüenza la Tierra de tantas crueldades

Jorge Guillén

El 27 de enero se conmemora el Día Internacional en Memoria de las Víctimas del Holocausto con diferentes actos en todo el mundo. En el blog recordamos dos poemas de Jorge Guillén, poeta de la generación del 27, muy preocupado siempre por el genocidio nazi que marcó tan dramáticamente la historia mundial.

En el primer poema homenajea a Radnóti, poeta judío de Hungría, muerto en un campo de concentración, como millones de víctimas en aquellos años de humillación y violencia. Se leen con estremecimiento todos sus versos y, especialmente, los últimos, que en medio de tanto sufrimiento y de tanta muerte, nos recuerdan que los nazis pudieron matar físicamente al hombre pero no a sus versos. Un canto a todas las víctimas del Holocausto y un canto al poder de la palabra.

En el segundo poema, "Exterminio en Auschwitz", con un estilo seco y cortante, contrapone la verdad de la historia  de Auschwitz, "máximo crimen de Historia europea", con la postura interesada y perniciosa de aquellos que niegan que existiera aquel exterminio planificado de judíos, gitanos, discapacitados, homosexuales y luchadores por la libertad y la justicia.

AL MARGEN DE RADNÓTI

                                 Miklós Radnóti (1909-1944)

Última resistencia: Poesía

Solo unos hombres pueden, minuciosos,

Humillar tanto al hombre,

Reducido a ser pasta de una masa,

Ya solo con derecho a su agonía.

Hebreos son de un "lager", un lagar

Donde fermenta infierno.

¿Batalla? Se destruye a los inermes.

He aquí, todavía,

Tras varios años de abominaciones,

A quien no puede apenas caminar:

La extenuación le rinde.

En los bolsillos guarda los papeles

Donde apunta vocablos.

¡Orden, y verdadero, del Poema!

Va salvándose allí la criatura

De amor que aún escribe ante la muerte.

"La muerte es ya una flor de la paciencia".

Aguanta el alma. Sin vigor el cuerpo,

No seguirá adelante. Se le exige

Cavar su fosa. ¡Bien!

Un disparo en la nuca. No se fija

Nadie. Cadáver con sus versos, vivos.

EXTERMINIO EN AUSCHWITZ

I
Ese máximo crimen de la Historia europea,

Un fondo irracional que ya es locura,

Se mantiene ejerciendo la razón razonante

Con gran embriaguez: asesinatos.

Se cuentan por millones los del todo difuntos:

Máximo crimen de Historia europea.

II
Estos mediterráneos mozuelos

No creen en aquel horror de Auschwitz.

Víctimas son de sociedad corrupta.

¿No mata? Continúa corrompiendo.
“Mi juventud... Fue juventud la mía.”

¡Con el error tal mocedad se alía!
Hay quien se salva. Valga la esperanza.

LECTURA DE "LA CASA DE BERNARDA ALBA" (I): EL TEATRO SEGÚN GARCÍA LORCA

Cartel del estreno de
La casa de Bernarda 
Alba (1945)

Después de la lectura de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca, vamos a realizar durante las próximas semanas varias actividades para profundizar en el mundo literario del autor y para analizar y comentar la obra leída.

La primera actvidad será la asistencia a  la representación teatral de la obra el próximo martes 28 de enero. Esto nos permitirá poder vivir la verdadera naturaleza del teatro, el texto literario que se convierte en espectáculo.

Para acercarnos a lo que García Lorca pensaba sobre el teatro vamos a leer unos breves textos entresacados de declaraciones y escritos del propio autor, realizados poco antes de terminar la composición de La casa de Bernarda Alba en junio de 1936, obra que no sería estrenada hasta 1945 en Buenos Aires, por iniciativa de la actriz Margarita Xirgu. En esos textos reflexiona acerca de la naturaleza del teatro, de cómo han de ser los personajes que le dan vida al teatro, así como del papel del autor dramático y su relación con el público. Las palabras de García Lorca, para quien "el teatro fue siempre mi vocación", nos ayudarán a entender mejor su teatro.

Sobre el teatro y los personajes

Tengo un concepto del teatro en cierta forma personal y resistente. El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse humana, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre. Han de ser tan humanos, tan horrorosamente trágicos y ligados a la vida y al día con una fuerza tal, que muestren sus traiciones, que se aprecien sus olores y que salga a los labios toda la valentía de sus palabras llenas de amor o de ascos. [Declaraciones a La Voz, 7 de abril de 1936]

Sobre el teatro y el público

No voy a levantar el telón para alegrar al público con un juego de palabras, ni con un panorama donde se vea una casa en la que nada ocurre y donde dirige el teatro sus luces, para entretener y haceros creer que la vida es eso. No! El poeta con todos sus cinco sentidos en perfecto estado de salud, va a tener, no el gusto, sino el sentimiento de enseñaros esta noche un pequeño rincón de realidad.[...] Venís al teatro con el afán único de divertiros y tenéis autores a los que pagáis, y es muy justo, pero hoy el poeta os hace una encerrona, porque quiere y aspira a conmover vuestros corazones, enseñando, las cosas que no queréis ver, gritando las simplísimas verdades que no queréis oír. [Palabras del "Autor" en Comedia sin título (1935-1936)]

Sobre el papel del autor de teatro

En este momento dramático del mundo, el artista debe llorar y reír con su pueblo. Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango hasta la cintura para ayudar a los que buscan las azucenas. Particularmente, yo tengo una ansia verdadera por comunicarme con los demás. Por eso llamé a las puertas del teatro y al teatro consagro toda mi sensibilidad. [...] Sé que la poesía eleva [...]. Pero el dolor del hombre y la injusticia constante que mana del mundo, y mi propio cuerpo y mi propio pensamiento, me evitan trasladar mi casa a las estrellas. [Declaraciones a El Sol, 10 de junio de 1936]

LA COHESIÓN TEXTUAL

La cohesión se define como la manifestación lingüística de la coherencia, es decir, la perfecta articulación de todos los elementos lingüísticos (oraciones, palabras,…) que se van a emplear en el texto. 

Las distintas partes del texto deben estar formalmente conectadas entre sí a través de mecanismos lingüísticos o procedimientos de cohesión textual: repeticiones o recurrencias, sustituciones, elipsis y marcadores textuales.

En esta presentación que he preparado encontraréis el desarrollo de los diferentes procedimientos de cohesión textual.

 

REALISMO ESPAÑOL: PON A PRUEBA TUS CONOCIMIENTOS

Os propongo, como actividad final sobre el tema del Realismo literario, después de las explicaciones de clase y las diferentes lecturas y comentarios realizados, una pequeña prueba que he preparado para poner a prueba vuestros conocimientos sobre algunos de los asuntos tratados en clase:

Pincha este enlace: 
PON A PRUEBA TUS CONOCIMIENTOS: EL REALISMO Y EL NATURALISMO

LA BÚSQUEDA DE LA IMAGEN POÉTICA EN GARCÍA LORCA

En 1926 García Lorca pronunció en Granada su conferencia La imagen poética en Góngora.  El escritor barroco fue para los autores de la generación del 27 el ejemplo de poeta auténtico, exigente e inspirado, creador de un nuevo lenguaje poético digno de ser imitado por su belleza formal. La imagen poética, la metáfora, nos dirá Lorca en esa conferencia, "une dos mundos antagónicos por medio de una salto de la imaginación", por lo que se convierte en el recurso del que se vale el poeta para conectar los diferentes planos de la realidad.

En esa conferencia García Lorca medita sobre el momento de la creación del poema. Lo identifica con una cacería nocturna. La oscuridad, la noche, el misterio, el peligro son ingredientes de esa lucha. Pero a todo ello hay que sumar la necesidad del orden y el control para no caer en el engaño de la facilidad. El poeta debe acudir a la cacería con sus cinco sentidos corporales alerta. En el equilibrio entre inspiración y disciplina radica la genialidad del poeta. Y en eso, Góngora y García Lorca son dos maestros.

Con estas palabras recoge García Lorca en dicha conferencia ese momento mágico de la creación.

El poeta que va a hacer un poema (lo sé por experiencia propia) tiene la sensación vaga de que va a una cacería nocturna en un bosque lejanísimo. Un miedo inexplicable rumorea en el corazón. Para serenarse, siempre es conveniente beber un vaso de agua fresca y hacer con la pluma negros rasgos sin sentido. Digo negros, porque... ahora voy a hacerles una revelación íntima.... yo no uso tinta de colores. Va el poeta a una cacería. Delicados aires enfrían el cristal de sus ojos. La luna, redonda como una cuerna de blando metal, suena en el silencio de las ramas últimas. Ciervos blancos aparecen en los claros de los troncos. La noche entera se recoge bajo una pantalla de rumor. Aguas profundas y quietas cabrillean entre los juncos... Hay que salir. Y éste es el momento peligroso para el poeta. El poeta debe llevar un plano de los sitios que va a recorrer y debe estar sereno frente a las mil bellezas y las mil fealdades disfrazadas de belleza que han de pasar ante sus ojos. Debe tapar sus oídos como Ulises frente a las sirenas, y debe lanzar sus flechas sobre las metáforas vivas, y no figuradas o falsas, que le van acompañando. Momento peligroso si el poeta se entrega, porque como lo haga, no podrá nunca levantar su obra. El poeta debe ir a su cacería limpio y sereno, hasta disfrazado. Se mantendrá firme contra los espejismos y acechará cautelosamente las carnes palpitantes y reales que armonicen con el plano del poema que lleva entrevisto. Hay a veces que dar grandes gritos en la soledad poética para ahuyentar los malos espíritus fáciles que quieren llevarnos a los halagos populares sin sentido estético y sin orden ni belleza. Nadie como Góngora preparado para esta cacería interior. No le asombran en su paisaje mental las imágenes coloreadas, ni las brillantes en demasía. Él caza la que casi nadie ve, porque la encuentra sin relaciones, imagen blanca y rezagada, que anima sus momentos poemáticos insospechados. Su fantasía cuenta con sus cinco sentidos corporales. Sus cinco sentidos, como cinco esclavos sin color que le obedecen a ciegas y no lo engañan como a los demás mortales. Intuye con claridad que la naturaleza que salió de las manos de Dios no es la naturaleza que debe vivir en los poemas, y ordena sus paisajes analizando sus componentes.

LA NOVELA, IMAGEN DE LA VIDA

Una novela es un espejo que se pasea por un ancho camino (Stendhal)

Ilustración de Fernando Vicente

En 1897 Benito Pérez Galdós leyó su discurso de ingreso en la Real Academia Española (titulado "La sociedad presente como materia novelable"). En él trataba de cómo debía ser para el escritor la composición de una novela. En las siguientes palabras, entresacadas de su discurso, podéis comprobar cómo nada debe escapar al arte de la novela y cómo el propósito estético de la literatura no debe subordinarse al principio de exactitud del Realismo.

Imagen de la vida es la novela, y el arte de componerla estriba en reproducir los caracteres humanos, las pasiones, las debilidades, lo grande y lo pequeño, las almas y las fisonomías, todo lo espiritual y lo físico que nos constituye y nos rodea, y el lenguaje, que es la marca de raza, y las viviendas, que son el signo de familia, y la vestidura, que diseña los últimos trazos externos de la personalidad: todo esto sin olvidar que debe existir perfecto fiel de balanza entre la exactitud y la belleza de la reproducción.

Os dejo las peresentaciones que elaboré para explicar en clase las novelas de Galdós y "La Regenta" de Clarín.

"¡ADIÓS, CORDERA!", UN RELATO REALISTA

¡Eran tres, siempre los tres!: Rosa, Pinín y la Cordera.

Escultura en Oviedo dedicada a los
protagonistas del cuento

Después de haber leído el cuento ¡Adiós, "Cordera"! de Leopoldo Alas "Clarín", es momento de profundizar en esta lectura, ejemplo de la nueva literatura de la segunda mitad del siglo XIX que hemos estudiado. En Internet encontramos varias propuestas de lectura que se pueden consultar (como esta de edu365.cat, muy recomendable), si bien nosotros seguiremos una propia y más breve, a partir del cuestionario que propongo a continuación y que deberéis responder en vuestros cuadernos.

El autor

• Busca información en el libro sobre "Clarín" y redacta una breve biografía de cinco líneas.

Plano de la historia

• Resume el argumento del cuento en unas quince líneas.
• Caracteriza cómo son los protagonistas del cuento: Rosa, Pinín y la "Cordera". Describe brevemente otros personajes que aparecen en la historia: el padre, la madre, el amo, el rey.
• Localiza el tiempo y el espacio en el que transcurren los acontecimientos narrados. Las alusiones al ferrocarril, el telégrafo y la tercera guerra carlista y las referencias a localidades como Puao, Candás, Oviedo o Gijón nos ayudarán en la tarea. Comenta cómo el medio influye en los personajes.

Plano del relato

• Explica cómo es el narrador del relato haciendo alusión a algún pasaje del cuento. Señala cómo nos presenta a los personajes de diferentes maneras: desde la ternura a la crítica.
• Identifica las tres partes en que se estructura el cuento: el planteamiento, el nudo y el desenlace. Comenta el paralelismo existente entre lo que le ocurre a "Cordera" y a Pinín.
• Busca ejemplos de fragmentos narrativos, descriptivos y dialogados en el cuento. Recopila los asturianismos que emplea el autor.

Significado e intención del cuento

• Valora cómo el cuento se organiza mediante diferentes oposiciones y contrastes (entre lo autóctono y lo foráneo, entre la vida rural y la vida urbana, entre la felicidad y el progreso económico y técnico) y cómo se remarcan los paralelismos existentes entre la "patria familiar" y la "patria grande" y entre el final de "Cordera" y el de Pinín.
• Señala cuál era la intención de "Clarín"  al escribir el cuento.
• Comenta brevemente por qué este cuento es un relato representativo del Realismo y del Naturalismo y qué diferencias presenta con las narraciones románticas que hemos leído anteriormente (las leyendas de Bécquer).

Valoración

• Redacta en unas pocas líneas tu opinión sobre el cuento, valorando los aspectos que más te hayan llamado la atención.

MANIFIESTO POR UNA POESÍA IMPURA

En el número de octubre de 1935 de la revista "Caballo verde para la poesía" apareció el texto "Sobre una poesía sin pureza", un auténtico manifiesto por una poesía impura, escrito por el poeta chileno Pablo Neruda. Supuso la constatación del final de la poesía pura e intelectual y la vuelta a una poesía preocupada por las circunstancias humanas y sociales, fruto del influjo del Surrealismo y de la coyuntura política. Como en clase solo hemos leído un fragmento de este precioso texto, os lo dejo ahora completo.

Es muy conveniente, en ciertas horas del día o de la noche, observar profundamente los objetos en descanso: las ruedas que han recorrido largas, polvorientas distancias, soportando grandes cargas vegetales o minerales, los sacos de las carbonerías, los barriles, las cestas, los mangos y asas de los instrumentos del carpintero. De ello se desprende el contacto del hombre y de la tierra como una lección para el torturado poeta lírico. Las superficies usadas, el gasto que las manos han infligido a las cosas, la atmósfera a menudo trágica y siempre patética de estos objetos, infunde una especie de atracción no despreciable hacia la realidad del mundo.

La confusa impureza de los seres humanos se percibe en ellos, la agrupación, uso y desuso de los materiales, las huellas del pie y los dedos, la constancia de una atmósfera inundando las cosas desde lo interno y lo externo.

Así sea la poesía que buscamos, gastada como por un ácido por los deberes de la mano, penetrada por el sudor y el humo, oliente a orina y a azucena, salpicada por las diversas profesiones que se ejercen dentro y fuera de la ley.

Una poesía impura como un traje, como un cuerpo, con manchas de nutrición, y actitudes vergonzosas, con arrugas, observaciones, sueños, vigilia, profecías, declaraciones de amor y de odio, bestias, sacudidas, idilios, creencias políticas, negaciones, dudas, afirmaciones, impuestos.

La sagrada ley del madrigal y los decretos del tacto, olfato, gusto, vista, oído, el deseo de justicia, el deseo sexual, el ruido del océano, sin excluir deliberadamente nada, sin aceptar deliberadamente nada, la entrada en la profundidad de las cosas en un acto de arrebatado amor, y el producto poesía manchado de palomas digitales, con huellas de dientes y hielo, roído tal vez levemente por el sudor y el uso. Hasta alcanzar esa dulce superficie del instrumento tocado sin descanso, esa suavidad durísima de la madera manejada, del orgulloso hierro. La flor, el trigo, el agua tienen también esa consistencia especial, ese recuerdo de un magnífico tacto.

Y no olvidemos nunca la melancolía, el gastado sentimentalismo, perfectos frutos impuros de maravillosa calidad olvidada, dejados atrás por el frenético libresco: la luz de la luna, el cisne en el anochecer, «corazón mío» son sin duda lo poético elemental e imprescindible. Quien huye del mal gusto cae en el hielo.

EL ESTÍMULO SURREALISTA

Óscar Domínguez, La Fiute de Toureau (1939)

En 1969 Jorge Guillén, uno de los poetas de la generación del 27, profesor de literatura y crítico literario, escribió un artículo titulado "El estímulo superrealista", recogido en una publicación realizada en homenaje a Dámaso Alonso, otro de los poetas de esa generación. En este artículo valoraba la recepción que tuvo en España el movimiento surrealista, "una invitación al riesgo -al gallardo riesgo- de la libertad imaginativa". Entresaco de ese mismo estudio estas palabras suyas que nos ayudarán a entender mejor, desde nuestro presente, la influencia del Surrealismo en la literatura española de los años veinte y treinta, en especial el empleo de la imagen visionaria de raíz irracional, la heterodoxia con la que se siguieron los postulados surrealistas entre los poetas españoles, alejados de la la "escritura automática", y el enriquecimiento que supuso en las trayectorias poéticas de los autores del 27.

Por una o por otra senda, aquel cultivo de la imagen, profunda hasta sus raíces irracionales, iba más allá del juego arbitrario y podía revelar al hombre, libre en su vraie vie, -como quería Rimbaud-. Los ojos de hoy, miopes acaso, perciben mal aquellos poemas y los creen ejercicios formales. Si el lector se acerca, descubre lo que son: irrupciones de vitalidad. De ahí la eficacia surrealista, su valor de estímulo. Y como todo en nuestro siglo se propaga con alcance internacional y tiende a la sencillez de los carteles, el surrealismo cobró fuerza imperativa, y alguien ajeno a ese influjo pareció -sobre todo a posteriori, ante el crítico- no cumplir con su deber: el incontaminado era culpable. Pero la vida, más compleja que la abstracción, no se desarrolla simplemente. En aquellos años, tan jugosos de experiencia literaria, los españoles, sensibles al incentivo superrealista, compusieron sin vacilación prudente obras donde intervenían, como es natural, subconciencia y conciencia. A la intuición acompaña la razón en la gran poesía. El brote irracional no constituye por sí solo el poema, y muy pocas veces campa por sus respetos. Aquel estilo se redujo, pues, a una transición parcial. Bretón habría excomulgado, en fin de cuentas, a los tránsfugas, nunca "regulares", nunca atraídos por la idea-límite de aquella teoría. Precisamente porque no llegaron en forme extreme de l'aspiration surréaliste, á sa plus forte "idee limite" lograron su propia madurez y compusieron sus propios poemas originales Federico García Lorca, Vicente Aleixandre, Emilio Prados, Luis Cernuda, Rafael Alberti, Manuel Altolaguirre. Cierto, ninguno de ellos ignoró aquel surrealismo casi inevitable.

FELIZ AÑO CORTÁZAR

En 2014 se va a celebrar el centenario del nacimiento de Julio Cortázar, uno de los grandes escritores en lengua castellana, después de haber conmemorado este mismo 2013 los cincuenta años de la publicación de su genial novela Rayuela. 

No hay un solo Cortázar: su personal visión del mundo, su originalidad, su constante experimentación formal, su peculiar manera de narrar lo fantástico incardinado en lo real, su poder de sugestión, su lirismo, su defensa de la libertad y de las causas de los más desfavorecidos, convierten a este autor en un referente fundamental de la literatura en castellano de la segunda mitad del siglo XX, tanto en los diferentes géneros como en los nuevos caminos expresivos abiertos por él.

Como aperitivo a la conmemoración de su nacimiento, os dejo cuatro de sus textos, leídos por él mismo (y enlazados también, para que podáis seguir la lectura por vuestra cuenta). Son un pequeño muestrario de su extensa obra: de la magistral mezcla entre ficción y realidad (Continuidad de los parques), de la expresión del sentimiento a flor de piel (Toco tu boca), de la singular visión del mundo (Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj)  y de su capacidad crítica (Cuento sin moraleja).

Ojalá disfrutéis de estas lecturas y de muchas otras. Feliz año 2014. Feliz año Cortázar.

Continuidad de los parques


Toco tu boca (Rayuela)


Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj


Cuento sin moraleja

CREACIONISMO: EL POETA ES UN PEQUEÑO DIOS

Triángulo armónico,
primer caligrama de Huidobro (1913)

En el desarrollo de las vanguardias en España el poeta chileno Vicente Huidobro tuvo un papel protagonista. En 1918 llegó a Madrid y fue recibido con entusiasmo por ser portavoz de las vanguardias parisienses. Difundió los principios de la estética del Creacionismo, una corriente que había creado en París junto al francés Reverdy, cubista en sus comienzos. "Los creacionistas -decía Huidobro- queremos hacer un arte que no imite ni traduzca la realidad". El poeta debe ser quien cree él mismo nuevas realidades: "hacer un poema como la naturaleza hace un árbol". Para ello el poeta deberá cultivar el "juego de azar de las palabras" y la imagen, pero no al modo tradicional como alusión a un referente real, sino en ilógica asociación que rompa con lo esperable y verosímil, para establecer entre las dos realidades una relación arbitraria que el poeta "crea" entre ellas. El poeta también cultivará el caligrama, de origen cubista, poema visual en el que las palabras "dibujan" aquello de lo que tratan.
Estas ideas están expuestas en varios manifiestos y poemas, entre los que sobresale este, titulado "Arte poética" y publicado en El espejo de agua en 1916.  

ARTE POÉTICA

Que el verso sea como una llave
que abra mil puertas.
Una hoja cae; algo pasa volando;
cuanto miren los ojos creado sea,
y el alma del oyente quede temblando.
Inventa mundos nuevos y cuida tu palabra;
el adjetivo, cuando no da vida, mata.
Estamos en el ciclo de los nervios.
El músculo cuelga,
como recuerdo, en los museos;
mas no por eso tenemos menos fuerza:
el vigor verdadero
reside en la cabeza.
Por qué cantáis la rosa, ¡oh poetas!
hacedla florecer en el poema.
Sólo para nosotros
viven todas las cosas bajo el sol.
El poeta es un pequeño Dios.

LO NUEVO, EL ESPÍRITU DE LAS VANGUARDIAS

Ilustración de Ramón Gómez
de la Serna (del prólogo a Ismos)

Los movimientos de vanguardia que nacieron en el primer tercio del siglo XX se caracterizaron por la oposición al arte del pasado, por su pretensión de originalidad y novedad absolutas y por la constante búsqueda de nuevos temas y formas. La búsqueda de lo nuevo se erigió en el centro de la creación artística.
Ramón Gómez de la Serna fue uno de los pioneros de las vanguardias en España. Defendió y difundió el arte nuevo desde los inicios: manifestó desde muy temprano "el cansancio hacia las formas antiguas" y propuso "un iconoclasticismo de concepto". En 1931 publicó Ismos,  obra dedicada a las vanguardias, amén de otras inventadas por el propio autor. Así reflexionaba, en las primeras páginas de esta obra, acerca del valor de lo nuevo en el arte como base de toda creación artística, como búsqueda continua de la sorpresa, como superación de todo lo ya hecho, como deber principal de todo artista. Para Ramón, "la innovación debe ser incesante", porque repetirse es "acortar la vida".

Por lo que fue interesante y digno de vivirse el primer tiempo de los tiempos es porque fue nuevo. Si hubiera sido antiguo no hubiera podido comenzar la vida, no hubiera tenido la curiosidad de su primer arranque.

Lo nuevo, en su pureza inicial, en su sorpresa de rasgadura del cielo y del tiempo es para mí la esencia de la vida.

Lo nuevo nace más veloz. Hay que emplear hoy dos Imágenes cada cinco segundos de escritura para emplear mañana tres en los mismos cinco segundos..

Si el nuevo día dijese en qué consiste su novedad, nadie lo comprendería, lo mejor que tiene es que es nuevo. Esto es lo que revelan las nuevas imágenes.

Lo nuevo son distancias que se recorren. No hay otra forma ni concepto de la distancia en Arte que el innovar. Así como el que camina, si ha de avanzar ha de recorrer espacios que no estaban detrás de él, sino delante, el artista está parado y da vuelta alrededor de su noria si no innova.

Hay que haber devorado lo nuevo para tener derecho a la publicidad. Hay que haber devorado, porque así no volverá a reaparecer como nuevo, sino que dará lugar a otras calorías de novedad. Y en seguida a devorar lo nuevo sin piedad ninguna, y a otra novedad.

Lo nuevo no es más que lo nuevo. Lo nuevo tiene que sorprender hasta al renovador [...].

Lo viejo ha podido quedar, pero no se debe hacer nada nuevo con hipo viejo. Contra eso es contra lo que reaccionamos.

Cada día debe dedicarse al uso y consignación de su novedad. No se debe perder un día con su matiz especial. Se suprimen horizontes en la vida si la amplitud que da el pasado reciente adosado al pasado antiguo no amplifica el infinito de cada existencia cuyo más profundo término está en el pasado, pero añadiéndole el porvenir nuevo de cada día que pasa.

La invención debe ser incesante. Se adeudará a los demás esa invención que no se realizó. Perder tiempo es perder invención. Es un robo que se hace a los que necesitan moverse en tiempos cada vez más amplios. Repetir un concepto, una manera, una composición de arte es redundar en la redundancia que acorta la vida, que la suprime la diversidad de espectáculos que es su única eternidad.

El vicio de empequeñecimiento lo da el no entregarse de lleno a la renovación, a labrar cada año con caracteres de siglo.

La magia de la vida, el gran engaño de la muerte, la caja de múltiple fondo con que se fantasmagorizan los mares de espacio en que nada el hombre, está en el arte siempre renovado, renovado por más que lloren los apegados a lo antiguo, lo antiguo que por bueno que sea, es monstruoso en la repetición.

Los que ofendieron a lo nuevo serán eternamente escarnecidos y todo el porvenir cuidará de desagraviar a lo nuevo tanto como de agraviarles a ellos.

Si lo nuevo se vuelve contra lo antiguo es porque lo antiguo repudia lo nuevo, pues de otro modo lo nuevo es tan comprensivo que admitiría lo antiguo en su tiempo y más si lo antiguo supuso renovación en su época, cualidad que es lo que únicamente lo legitima en el pasado.

El deber de lo nuevo es el principal deber de todo artista creador. Lo nuevo no es sólo lo diferente a lo anterior, sino lo que se asienta de modo especial sobre tierra fértil y asume la verdad despejada de la vida, teniendo condiciones asimilables en los pulmones nuevos.

Pero para remachar esta idea nada como repetir lo nuevo tantas veces como los Bancos repiten su nombre en los cupones.

LECTURAS DE «EL MISERERE» DE BÉCQUER

«Los clásicos son esos libros que nos llegan trayendo impresa la huella de las lecturas que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o en las culturas que han atravesado.»

[Italo Calvino, Por qué leer a los clásicos]

Cartel de la versión de
dibujos animados de ESDIP

Las obras clásicas son una fuente permanente e inagotable de vida, de conocimiento y de placer para lectores y creadores: después de muchos años y siglos siguen vigentes para los lectores e inspiran con sorprendente vitalidad a los nuevos creadores.

Esto ha pasado también con Gustavo Adolfo Bécquer: él mismo recreó muchos relatos que le contaron y estaban presentes ya en la tradición oral y, a su vez, son numerosas las versiones que tenemos de sus leyendas ya que nos siguen interesando y emocionando en la actualidad.

En esta ocasión, tras la lectura de «El Miserere» de Bécquer, publicado en 1862, vamos a acercarnos a dos versiones sugerentes de este relato fantástico: la que realizó en 1971 el gran dibujante de cómic Carlos Giménez y la que han realizado recientemente los alumnos de la Escuela Superior de Dibujo Profesional de Madrid. Descubriremos en ellas las adaptaciones personales que han hecho de la historia sus autores y los cambios que han introducido en la forma de contarla. Aquí os dejo ambas versiones.

Viñetas del cómic de Carlos Giménez

• VERSIÓN EN CÓMIC DE CARLOS GIMÉNEZ

• VERSIÓN EN DIBUJOS ANIMADOS DE ESDIP

Ahora, vais a ser vosotros los encargados de escribir vuestra particular versión de la leyenda de Bécquer, siguiendo unas cuantas pautas que os señalo a continuación para no terminar locos como el protagonista:

• El texto debe ser un cuento de uno o dos folios de extensión.
• El narrador debe ser el romero que llega a la abadía  y debe contar la historia en primera persona.
• Hay que describir en dos o tres líneas las ruinas del monasterio y en otras dos o tres la transformación que sufren.
• Hay que introducir, al menos, un diálogo en estilo directo.
• La primera palabra del texto tiene que ser «soy» y la última palabra «loco».
• Puede presentarse escrito a mano o en ordenador. Fecha de entrega: 19 de diciembre.

De esta manera aportaremos a nuestro Cuaderno de escritura  una versión personal de uno de nuestros clásicos, esto es, una nueva lectura de su obra, tan preocupada siempre por el tema de la creación literaria.

EL OFICIO DE NOVELISTA EN EL REALISMO

El Realismo es el movimiento artístico y literario que busca representar de manera minuciosa y objetiva una realidad contemporánea muy concreta: la vida cotidiana y los problemas de la sociedad burguesa de la segunda mitad del siglo XIX.

Benito Pérez Galdós
en su despacho

Para ello, los escritores tomaron a menudo como modelo los métodos de observación de las ciencias experimentales, tan en auge en la época. En 1842 Balzac ya se proponía estudiar la sociedad como el científico estudiaba la naturaleza. Desde entonces los novelistas del Realismo se documentaron sobre el terreno, tomando minuciosos apuntes sobre el ambiente, las gentes, la indumentaria,...; o buscaron en los libros los datos necesarios para conseguir la exactitud en la recreación de ambientes o en la descripción psicológica de los personajes. La creación artística ya no tenía que ver ni con la fantasía ni con la inspiración, fuentes de los autores románticos.

Benito Pérez Galdós, el novelista más prolífico del Realismo español, nos cuenta en el prefacio a su gran novela Misericordia, retrato de los diversos estratos de la miseria madrileña de finales del siglo XIX, cómo se documentó in situ para recrear con precisión este mundo.

«En Misericordia me propuse descender a las capas ínfimas de la sociedad matritense, describiendo y presentando los tipos más humildes, la suma pobreza, la mendicidad profesional, la vagancia viciosa, la miseria, dolorosa casi siempre, en algunos casos picaresca o criminal y merecedora de corrección. Para ello hube de emplear largos meses en observaciones y estudios directos del natural, visitando las guaridas de gente mísera o maleante que se alberga en los populosos barrios del sur de Madrid. Acompañado de policías escudriñé las Casas de dormir de las calles de Mediodía Grande y del Bastero, y para penetrar en las repugnantes viviendas donde celebran sus ritos nauseabundos los más rebajados prosélitos de Baco y Venus, tuve que disfrazarme de médico de la Higiene Municipal. No me bastaba esto para observar los espectáculos más tristes de la degradación humana, y solicitando la amistad de algunos administradores de las casas que aquí llamamos de corredor, donde hacinadas viven las familias del proletariado ínfimo, pude ver de cerca la pobreza honrada y los más desolados episodios del dolor y la abnegación en las capitales populosas.»

Os dejo la presentación que hice para explicar en clase el Realismo y el Naturalismo.

SEXISMO EN EL DICCIONARIO DE LA RAE

Ilustración de Fernando
Vicente para El País

La semana pasada apareció en El País un interesante reportaje sobre las modificaciones que la Real Academia de la Lengua prepara para la próxima edición del Diccionario en 1914. Algunas de las acepciones que se van a modificar son las que están más abajo y tienen que ver con el sexismo presente en muchos usos de la lengua. Podéis comprobar las definiciones en los enlaces de cada palabra.
En esta nueva versión del Diccionario también se introducirán modificaciones en los nombres de profesiones o actividades que desempeñan mujeres. Entre otras, tendrán lema doble: alfarero, -ra, camillera, -ra, cerrajera, -ra, enterrador, -ra, herrero, -ra, picapedrero, -ra, costalero, -ra o soldador, -ra. Otras pasan a ser un nombre común en género, esto es, un término con masculino y femenino según el contexto, que sirve para unas y otros sin necesidad de alterar la terminación (el/la concertino, el/la submarinista o el/la guardabosque).

Huérfano. Dicho de una persona de menor edad: a quien se le han muerto el padre y la madre o uno de los dos, especialmente el padre.

Gozar. Conocer carnalmente a una mujer.

Cocinilla. Hombre que se entromete en cosas, especialmente domésticas, que no son de su incumbencia.

Periquear. Dicho de una mujer: disfrutar de excesiva libertad.

Cancillera. Cuneta o canal de desagüe en las lindes de las tierras labrantías.

Edén. Paraíso terrenal, morada del primer hombre antes de su desobediencia.

Hombre. Ser animado racional, varón o mujer. / Individuo que tiene las cualidades consideradas varoniles por excelencia, como el valor y la firmeza.

Mujer. Persona del sexo femenino. / Que tiene las cualidades consideradas femeninas por excelencia.

Femenino. Débil, endeble.

Masculino. Varonil, enérgico.

Padre. Varón o macho que ha engendrado. / Cabeza de una descendencia, familia o pueblo. / Padre de familia: jefe de una familia aunque no tenga hijos.

Madre. Hembra que ha parido. / Madre de familia: mujer casada o viuda, cabeza de su casa.

EL CONCEPTO DE «IMPERSONALIDAD»

El concepto de «impersonalidad» resulta un tanto ambiguo en los estudios gramaticales ya que no siempre se emplea desde el mismo punto de vista.

Semánticamente, se habla de oraciones impersonales en los casos de oraciones en las que no hay sujeto porque no se conoce el agente, bien porque se considera innecesario nombrarlo, bien porque se desea ocultarlo («Llaman a la puerta», «Dicen que van a suspender la reunión»). Mejor que de impersonalidad es hablar de indeterminación de agente, pues existe un sujeto gramatical e incluso hay alguien que realiza la acción expresada por el verbo, aunque no se precise quién es. Entre estas falsas impersonales, además de las oraciones con verbos en tercera persona del plural (como los ejemplos señalados), hay que contemplar otros usos que también dejan indeterminado el agente: oraciones con sujeto léxico uno, indefinido generalizador («En estas ocasiones uno no sabe qué decir»), oraciones en segunda persona del singular con valor generalizador («En esas ocasiones no sabes qué decir») y oraciones en primera persona del plural con valor generalizador («En esas ocasiones no sabemos qué decir»).

Formalmente, no se puede hablar de oraciones impersonales porque toda forma verbal personal implica un sujeto gramatical expresado en los morfemas de persona y número. Desde este punto de vista ni siquiera una oración como «Nieva» sería impersonal puesto que se señala como sujeto gramatical la tercera persona del singular.

Sintácticamente, se habla de oraciones impersonales para definir a aquellas (como «Nieva») que no admiten un sujeto léxico y cuyo núcleo verbal está siempre en tercera persona del singular. Las impersonales que no admiten sujeto léxico se clasifican en tres grupos:

• Impersonales de fenómenos naturales o unipersonales: se construyen con verbos que designan fenómenos de la naturaleza, relacionados con alguna noción meteorológica (llover, nevar, amanecer, granizar, relampaguear,...). Estos verbos, por su propio significado, no pueden llevar un sujeto explícito y se usan en tercera persona del singular.  Sin embargo, en sentido figurado, pueden aarecer en otras personas gramaticales y admitir un sintagma nominal en función de sujeto: «Llueven las críticas al ministro», «Amanecí en casa»,...
• Impersonales gramaticalizadas o existenciales: ciertos verbos con variación gramatical (ser, parecer, haber, hacer, bastar, sobrar) no permiten en determinados usos la alteración de persona y número: «Es tarde», «Parece que no llega», «Hay mucha gente», «Hace frío», «Basta con la mitad», «Sobra con cinco euros». Todos estos verbos aparecen, por supuesto, en construcciones no impersonales.
• Impersonales reflejas: se construyen con cualquier verbo, transitivo o intransitivo, en tercera persona del singular antepuesto de se, que forma parte del núcleo del predicado y constituye una marca de impersonalidad o de que la tercera persona del singular del verbo ha de entenderse de una forma genérica («Se vive muy bien en nuestro barrio», «En el instituto se trabaja demasiado»). Es importante no confundir esta construcción impersonal con la pasiva refleja (formada por se y un verbo en voz activa), que sí tiene sujeto y sí puede pasar a plural («Se convocará una manifestación», «Se convocarán dos manifestaciones»).

Podéis practicar la clasificación de las oraciones según la presencia de sujeto o no en esta PRUEBA DE CONOCIMIENTOS que he preparado para repasar lo estudiado. Antes de elegir la opción correcta, conviene pensar razonadamente la respuesta.

Pincha en este enlace: ORACIONES PERSONALES E IMPERSONALES

JUAN RAMÓN JIMÉNEZ HABLA SOBRE «DIARIO DE UN POETA RECIÉN CASADO»

MAR

¡Solo un punto!

                                                 Sí, mar, ¡quién fuera,

cual tú, diverso cada instante,

coronado de cielos en su olvido;

mar fuerte -¡sin caídas!-,

mar sereno

-de frío corazón con alma eterna-

¡mar, obstinada imajen del presente!

Juan Ramón Jiménez, Diario de un poeta recién casado

Ricardo Gullón recogió en sus Conversaciones con Juan Ramón (1958) interesantísimas palabras del poeta de Moguer sobre la gestación, la composición, el contenido, la forma, la publicación, la recepción de la crítica y la trascendencia de Diario de un poeta recién casado, escrito en 1916 y publicado en 1917, obra clave en la historia de la poesía española del siglo XX. (La obra de Juan Ramón Jiménez se puede descargar en este enlace y un estudio muy completo se puede leer en esta página de José Antonio Serrano). Cedamos la palabra a Juan Ramón Jiménez.

«El único libro que escribí de un tirón fue el Diario. Es el único concebido como tal libro y escrito inmediatamente. Y tan pronto como lo escribí, lo publiqué; después seguí reeditándolo en la misma forma, sin corregirlo. [...] Cambié el título [por el de Diario de poeta y mar] porque quería destacar la importancia que en su gestación tuvo la presencia del mar, el contacto con el mar. El libro está suscitado por el mar y nació con el movimiento del barco que me traía a América [en su viaje a Nueva York de 1916 para casarse con Zenobia Camprubí]. En él usé por vez primera el verso libre: este vino con el oleaje, con el no sentirme firme, bien asentado.

El libro es el descubrimiento del mar, del amor y del cielo; tengo muy dentro de mí la la idea de que lo determinó el mar, y, según le digo, los problemas de él son los del cielo, amor y mar. Ortega y Basterra piensan que es un libro metafísico, y tienen razón. Unamuno me decía que la poesía debe ser siempre más ideológica que otra cosa, pero yo pienso que debe ser siempre más sorprendente, más bien encantadora.» [páginas 83 y 84]

 

«Lo creo mi mejor libro [...]. No se pone viejo. Perdone si hablo de él en esta forma, pero lo veo ya como cosa histórica, fuera de mí. Es un libro de descubrimientos, aparte de que desde él haya variado el movimiento del verso, la sintaxis poética. Con el Diario empieza el simbolismo moderno en la poesía española. Tiene una metafísica que participa de estética, como en Goethe. Y tiene también una ideología manifiesta en la pugna entre el cielo, el amor y el mar. 

Creo que, sobre todo en la segunda parte, el libro tiene verdadera profundidad. Basterra fue el primero en sentirla y me lo comunicó en carta escrita desde Italia. Los críticos, cuando el libro se publicó, no la admitieron, y otros poetas necesitaron diez años para empezar a darse cuenta de ello.» [páginas 92 y 93]

«La prosa del Diario está escrita contra lo que vi en los Estados Unidos. Es casi siempre irónica.[...]. El verso libre mío es muy diferente del de Unamuno que es bíblico.[...] En otros poetas hay verso libre como el de Diario, pero es que ha salido de allí. La mitad de la poesía moderna, en España, viene del diario. Vea, si no: León Felipe; Salinas y sus Presagios, publicado por mí en la Biblioteca de Índice, en 1923; Moreno Villa y sus Evoluciones...[...]

Yo no sé por qué el Diario ha sido tan mal leído. Hay en él muchas cosas que nunca se han visto. Es un libro metafísico: en él se tratan los problemas de la creación poética, los problemas del encuentro con las grandes fuerzas naturales: el mar, el cielo, el sol, el agua... Ahora en estos años [1953-1955, cuando conversó con el profesor y crítico literario Ricardo Gullón] he vuelto a plantearlos en Animal de fondo»[páginas 90 y 91]

A continuación os dejo la presentación que preparé para explicar en clase la trayectoria poética de Juan Ramón Jiménez.

INCORRECTO, INADECUADO, INCOHERENTE, INCONEXO

Para componer un buen texto y para que no nos den ninguna de esas valoraciones negativas que figuran en el título de la entrada, debemos tener presente siempre las cuatro propiedades que todo texto debe cumplir: corrección, adecuación, coherencia y cohesión.

• Para escribir con corrección y evitar que en el texto se cometan incorrecciones (ortográficas, morfosintácticas o léxicas), hay que estar siempre vigilante en el uso de la lengua y consultar cuantas dudas puedan surgir (en el diccionario, en la gramática, en la ortografía,...), además de revisar el texto una vez concluido.
• Para adaptarse a la situación de comunicación y evitar que el texto sea inadecuado, hay que tener claros la intención con la que se elabora,  el destinatario al que se dirige uno, el canal que se va a utilizar, el tipo de texto que se va a componer y el registro lingüístico elegido.
• Para seleccionar la información relacionada con el tema que se va a tratar y organizarla de forma óptima y evitar que el texto sea incoherente, hay que preparar un esquema o guion de lo que se va a decir (si el texto es muy complejo), hay que distribuir convenientemente la información en apartados, párrafos y oraciones;  y hay que seguir las estructuras básicas del tipo de texto que se va a elaborar.
• Para conectar y cohesionar las distintas partes y enunciados del texto y que el texto no resulte por tanto inconexo y deslavazado, se deben emplear los diferentes procedimientos de cohesión textual que nos proporciona la lengua: recurrencias, elipsis, sustituciones y marcadores textuales para estructurar el texto o para marcar las relaciones entre las ideas.

Estos consejos para escribir textos correctos, adecuados, coherentes y bien cohesionados deben ser tenidos en cuenta siempre que nos dispongamos a componer cualquier tipo de texto. Y en el instituto escribimos muchos textos: resúmenes, comentarios, trabajos, exámenes,...

A continuación os dejo las presentaciones con las que expliqué las propiedades del texto. Falta la cohesión que estudiaremos más adelante.

ANTONIO MACHADO, LECCIÓN DE LITERATURA

Homenaje de Picasso a Machado

Después de haber leído en clase unos cuantos poemas de Antonio Machado, os presento este homenaje, «Lección de Literatura», que le hizo el también poeta y profesor de literatura Ángel González en Grado elemental en 1962. Antonio Machado fue un ejemplo para toda la poesía de la posguerra española, pues su paso del yo al nosotros influyó en todos los poetas que escribieron poesía en los años cincuenta y sesenta.

Las referencias a los poemas de Campos de Castilla (y, especialmente, a «El mañana efímero») le sirven a Ángel González para presentarnos a Antonio Machado como poeta vivo que sigue vigente en los años sesenta del siglo pasado pero que, si hacemos la oportuna traslación a nuestros días (donde dice Frascuelo -o Di Stéfano según González-, podemos poner Ronaldo o Messi), desgraciadamente sigue de plena actualidad. Y sigue quedándonos la esperanza...

Lección de literatura

(A Antonio Machado)

La España de charanga y pandereta,

devota de Frascuelo y de María,

ha de tener su mármol y su día.
A.M.

Los olmos sobreviven.

Las colinas

continúan dorándose

cuando el trigo madura, en primavera.

Los vencejos

regresan cada año, y las cigüeñas

reconquistan sus nidos

en febrero y en torres eclesiásticas

o álamos ribereños.

La tierra

se obstina en ser hermosa:

fina, adusta, guerrera.

Pese a tu muerte

—y a la de otros muchos—

también los hombres son como eran antes.

Devociones no idénticas

—Frascuelo es sólo un nombre—,

pero muy parecidas,

están vigentes hoy igual que antaño:

Di Stéfano y la Misma

acaparan plegarias y ovaciones.

Todo ocurrió tal como nos dijiste:

del vano vientre del ayer surgieron

estos días vacíos

y, orando y embistiendo,

calvas y calaveras venerables

nos predican traición y tradiciones.

Tú sigues siendo Don Antonio, siempre,

poeta vivo entre nosotros —muertos—

y te leemos cada día porque

nunca nos engañaste

y desenmarañaste el negro ovillo

de nuestra amarga historia

con dedos claros, delicados, duros.

Predijiste los tiempos que cruzamos

y los que cualquier día alcanzaremos.

La España de la rabia y de la idea

avanza, pese a todo. Te escuchamos:

Mas otra España nace…

Y te creemos.

Aprovecho la entrada para dejar la presentación que hice para explicar la trayectoria poética de Machado.