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jueves, 7 de septiembre de 2023

LITERATURA Y PUBLICIDAD: UNA EXTRAÑA PAREJA

Durante el curso vamos a trabajar en 4º de ESO tanto los textos literarios como los publicitarios. Aunque tengan propósitos muy diferentes, es cierto que la publicidad echa mano en ocasiones de la literatura, por su creatividad y su expresividad. Como aperitivo a todo ello, vamos a recordar en el arranque del curso algunos anuncios que han popularizado textos literarios en los últimos años y que nos recuerdan que la palabra literaria está tocada por una magia especial. Sirvan en esta ocasión los anuncios para acercarnos a algunos de los autores que vamos a estudiar este año, cuya sensibilidad no está nada lejos de la actual.

Empezamos por el más reciente, este de la campaña del Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación que fomenta los caminos naturales de España para la práctica del senderismo y que aprovecha los famosos versos de Antonio Machado.

  
 
Quizás el primer anuncio que empleó un texto literario con una clara intención de dar un sentido nuevo al mismo fue este de Seat con la voz de Julio Cortázar leyendo su Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj.
 
     
 
Más cercano en el tiempo es este otro anuncio de Cervezas Alhambra que conjuga las palabras vitalistas del poeta Juan Ramón Jiménez con la escritora Elvira Sastre.
 
  
 
Los creativos publicitarios no solo se han fijado en los autores del último siglo, sino que en ocasiones han reparado en los clásicos, dotados siempre de una gran capacidad expresiva que da a todo lo que tocan un aire especial. Así lo demuestran estos versos de Lope de Vega definiendo el amor puestos al servicio de una campaña de turismo de la Comunidad Valenciana.
 
 
 
En este video,  como conclusión, algunos publicistas nos hablan de esa extraña relación entre publicidad y literatura y nos descubren otros anuncios basados en textos literarios que nos abren la puerta a nuevos autores y lecturas.
 
 
A partir de estos textos publicitarios que aprovechan la literatura, los alumnos van a reflexionar y comentar distintos aspectos temáticos y formales, para seguir profundizando en el estudio de los textos literarios y no literarios.

jueves, 21 de marzo de 2019

DÍA MUNDIAL DE LA POESÍA

Quiero compartir esta breve pieza del periodista Carlos del Amor que se ha emitido en el Telediario de las tres de TVE para conmemorar el vigésimo aniversario del Día Mundial de la Poesía. En ella aparecen versos de poetas tan queridos en el blog como Antonio Machado, Pablo Neruda, Juan Ramón Jiménez, César Vallejo o Ángel González y referencias a autores como Mario Benedetti, Gloria Fuertes, Gil de Biedma, Gioconda Belli, Diego Ojeda o Marwan que seguro nos proporcionarán también extraordinarios momentos de lectura.

martes, 14 de febrero de 2017

SONETOS DE AMOR

Si el amor es uno de los temas centrales de la lírica, el soneto es, quizás, la composición predilecta de los poetas, la joya de más dificil elaboración pero la más deslumbrante. En esta pequeña publicación recojo alguno de los grandes sonetos de amor de nuestra literatura castellana, desde Garcilaso de la Vega a Ángel González, pasando por Góngora y Quevedo, y por Machado y García Lorca. Una lectura muy apropiada para un día como hoy... o para cualquier otro. En los comentarios podéis elegir el que más os gusta o proponer nuevos sonetos de amor.

jueves, 22 de diciembre de 2016

SOBRE EL PASADO, EL PORVENIR, LA ESPERANZA Y LA ILUSIÓN

Para despedir el año os dejo con estas reflexiones que hicieron algunos de los poetas que hemos leído y estudiado este curso.
Feliz 2017


miércoles, 16 de noviembre de 2016

ANTONIO MACHADO Y JUAN RAMÓN JIMÉNEZ: LA SUPERACIÓN DEL MODERNISMO

En Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez culmina y se transforma la poesía española que surge de la estética modernista. Ambos se formaron en una sensibilidad y un pensamiento parecidos y reconocieron a los mismos maestros (los románticos, los simbolistas,...). Ambos poetas presentan bastantes semejanzas en su primera época en cuanto a los temas predilectos (el paso del tiempo, la muerte, los recuerdos infantiles,...), los sentimientos mostrados (soledad y melancolía) y la forma de expresión empleada (símbolos y sinestesias, léxico decadente, adjetivación cromática). Pero ambos van a evolucionar hasta imprimir nuevos rumbos a la poesía española del siglo XX.
Juan Ramón Jiménez, que renunció a sus libros iniciales, renovará la expresión en Diario de un poeta recién casado (1917), obra que abre la poesía a las innovaciones vanguardistas (empleo de un lenguaje casi irracional, de collages, de palabras en inglés, de préstamos literarios,...). A partir de ese libro buscará la fusión con la belleza en su poesía, en un «anhelo creciente de totalidad». Su poesía pura, esencial, intelectual, sirvió de ejemplo a los jóvenes poetas de la generación del 27.
Antonio Machado, desde Campos de Castilla (1912, 1917), irá abriendo su poesía a las preocupaciones patrióticas y a la realidad social, despojándose del yo para buscar el nosotros. Esta poesía que «dialoga con su tiempo» será de gran influencia en los poetas españoles de posguerra, especialmente entre quienes cultivan la poesía social.
En el contexto cultural del siglo XX estos dos poetas, superando su poesía modernista inicial, logran abrir la poesía española a nuevas formas de expresión y nuevos temas. Su papel resulta tracendental en la evolución de nuestra poesía.

jueves, 20 de marzo de 2014

PRIMAVERA AMARILLA

Konstantín Korovin, Primavera (1917)
Juan Ramón Jiménez, el autor de Platero y yo, obra que cumple estos días cien años, cantaba la llegada de la primavera en Poemas májicos y dolientes (1909) con este sugerente poema, "Primavera amarilla".
El poeta, de quien hemos leído unos cuantos poemas en clase, nos presenta la llegada de la primavera (estación que comenzamos hoy) teñida del color amarillo que impregna tanto la naturaleza como los sentimientos. Los lectores y los críticos han interpretado el poema de diferentes formas y eso nos habla del enorme potencial que tiene la lengua poética, capaz de admitir diversas lecturas. Para unos, el amarillo simboliza el renacer de la vida y la esperanza ante lo doloroso de la vida; para otros, el amarillo transmite tristeza y melancolía pues en esa primavera la muerte está presente de forma dolorosa.
Queda para vuestra lectura personal la interpretación que más os guste.
 

PRIMAVERA AMARILLA
Abril venía, lleno
todo de flores amarillas:
amarillo el arroyo,
amarillo el vallado, la colina,
el cementerio de los niños,
el huerto aquel donde el amor vivía.

El sol unjía de amarillo el mundo,
con sus luces caídas;
¡ay, por los lirios áureos,
el agua de oro, tibia;
las amarillas mariposas
sobre las rosas amarillas!

Guirnaldas amarillas escalaban
los árboles; el día
era una gracia perfumada de oro,
en un dorado despertar de vida.
Entre los huesos de los muertos,
abría Dios sus manos amarillas.

lunes, 25 de noviembre de 2013

JUAN RAMÓN JIMÉNEZ HABLA SOBRE «DIARIO DE UN POETA RECIÉN CASADO»

MAR
¡Solo un punto!
                                                 Sí, mar, ¡quién fuera,
cual tú, diverso cada instante,
coronado de cielos en su olvido;
mar fuerte -¡sin caídas!-,
mar sereno
-de frío corazón con alma eterna-
¡mar, obstinada imajen del presente!

Juan Ramón Jiménez, Diario de un poeta recién casado


Ricardo Gullón recogió en sus Conversaciones con Juan Ramón (1958) interesantísimas palabras del poeta de Moguer sobre la gestación, la composición, el contenido, la forma, la publicación, la recepción de la crítica y la trascendencia de Diario de un poeta recién casado, escrito en 1916 y publicado en 1917, obra clave en la historia de la poesía española del siglo XX. (La obra de Juan Ramón Jiménez se puede descargar en este enlace y un estudio muy completo se puede leer en esta página de José Antonio Serrano). Cedamos la palabra a Juan Ramón Jiménez.

«El único libro que escribí de un tirón fue el Diario. Es el único concebido como tal libro y escrito inmediatamente. Y tan pronto como lo escribí, lo publiqué; después seguí reeditándolo en la misma forma, sin corregirlo. [...] Cambié el título [por el de Diario de poeta y mar] porque quería destacar la importancia que en su gestación tuvo la presencia del mar, el contacto con el mar. El libro está suscitado por el mar y nació con el movimiento del barco que me traía a América [en su viaje a Nueva York de 1916 para casarse con Zenobia Camprubí]. En él usé por vez primera el verso libre: este vino con el oleaje, con el no sentirme firme, bien asentado.
El libro es el descubrimiento del mar, del amor y del cielo; tengo muy dentro de mí la la idea de que lo determinó el mar, y, según le digo, los problemas de él son los del cielo, amor y mar. Ortega y Basterra piensan que es un libro metafísico, y tienen razón. Unamuno me decía que la poesía debe ser siempre más ideológica que otra cosa, pero yo pienso que debe ser siempre más sorprendente, más bien encantadora.» [páginas 83 y 84]
 
«Lo creo mi mejor libro [...]. No se pone viejo. Perdone si hablo de él en esta forma, pero lo veo ya como cosa histórica, fuera de mí. Es un libro de descubrimientos, aparte de que desde él haya variado el movimiento del verso, la sintaxis poética. Con el Diario empieza el simbolismo moderno en la poesía española. Tiene una metafísica que participa de estética, como en Goethe. Y tiene también una ideología manifiesta en la pugna entre el cielo, el amor y el mar. 
Creo que, sobre todo en la segunda parte, el libro tiene verdadera profundidad. Basterra fue el primero en sentirla y me lo comunicó en carta escrita desde Italia. Los críticos, cuando el libro se publicó, no la admitieron, y otros poetas necesitaron diez años para empezar a darse cuenta de ello.» [páginas 92 y 93]

«La prosa del Diario está escrita contra lo que vi en los Estados Unidos. Es casi siempre irónica.[...]. El verso libre mío es muy diferente del de Unamuno que es bíblico.[...] En otros poetas hay verso libre como el de Diario, pero es que ha salido de allí. La mitad de la poesía moderna, en España, viene del diario. Vea, si no: León Felipe; Salinas y sus Presagios, publicado por mí en la Biblioteca de Índice, en 1923; Moreno Villa y sus Evoluciones...[...]
Yo no sé por qué el Diario ha sido tan mal leído. Hay en él muchas cosas que nunca se han visto. Es un libro metafísico: en él se tratan los problemas de la creación poética, los problemas del encuentro con las grandes fuerzas naturales: el mar, el cielo, el sol, el agua... Ahora en estos años [1953-1955, cuando conversó con el profesor y crítico literario Ricardo Gullón] he vuelto a plantearlos en Animal de fondo»[páginas 90 y 91]

A continuación os dejo la presentación que preparé para explicar en clase la trayectoria poética de Juan Ramón Jiménez.

lunes, 12 de noviembre de 2012

JUAN RAMÓN JIMÉNEZ, LA TRAGEDIA DE LA CREACIÓN

Al tratar de Juan Ramón Jiménez, es frecuente hablar de su concepción de la creación poética como parte de un único libro. Se trata de una  obra en marcha, como él la llamó, que le llevó a revisar y corregir sus poemas a lo largo de toda su vida. 
Pero, además, es importante recordar que su  producción poética y prosística fue vastísima. Reproduzco, para testimoniarlo, algunas de las declaraciones que le hizo el poeta, hacia el final de su vida, al crítico Ricardo Gullón para su libro Conversaciones con Juan Ramón (1958):

«He publicado treinta libros, digamos. Pues bien, tengo original inédito para unos ciento cincuenta; muchos de prosa. Tengo montones de original que no puedo ya ni siquiera leer. [...] Tengo una capacidad de creación tan grande y tan sostenida que no me ha dejado tiempo para revisar lo creado. No es que me abstenga de publicar por necesidad de corregir una y otra vez mi obra, como tantas veces se ha dicho, sino que me desborda la produccion de cada día.
Yo pienso en el poema o en el libro mientras lo hago. Después lo mando a la imprenta y cuando vuelve lo deshago materialmente: separo las hojas, para releerlo cuando el tiempo quiera. 
Soy un poetizador y llevo mi poesía conmigo. Y esto sí: quisiera tenerla al día en mi exigencia de cada momento, que es cosa muy distinta a tenerla a la moda. No sé cuantos poemas habré escrito durante toda mi vida: tal vez seis mil, y alrededor de diez mil aforismos. Todos los días alguno, y eso desde mis veinte años.
[...] Tengo cajas enteras de papelitos como estos y ya nunca podré ni siquiera verlos. Es un desastre. Y toda mi vida ha sido igual: he creado más de lo que pude recrear. He sido vencido: creé más de lo que podía recrear de manera consciente. Esa es mi tragedia».

La impresión que Gullón tiene al acabar ese día su entrevista con Juan Ramón y salir de la estancia en la que han conversado, repleta de carpetas, sobres y cajas llenas de publicaciones y textos inéditos, confirma la tragedia de esa desbordante creatividad del poeta: «Sí, haría falta toda una vida para descifrar y ordenar este laberinto».
Todavía hoy quedan muchísimos textos inéditos de Juan Ramón, de quien otro gran poeta, Rafael Alberti, dijo que era «el hombre que había elevado a religión la poesía, viviendo exclusivamente por y para ella, alucinándonos con su ejemplo».

jueves, 24 de mayo de 2012

CONSECUENCIAS CULTURALES Y LITERARIAS DE LA GUERRA CIVIL


La victoria del bando franquista con su política dictatorial, represiva e intolerante, puso fin a un periodo de esplendor artístico en España y trajo a su vez fatídicas consecuencias para el mundo de la cultura.
Sólo entre los escritores debieron tomar el camino del exilio los poetas Juan Ramón Jiménez, León Felipe, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Rafael Alberti, o Luis Cernuda; los novelistas Ramón J. Sender, Max Aub, Rosa Chacel, Arturo Barea o Francisco Ayala; y dramaturgos como Alejandro Casona. Miguel Hernández fue encarcelado y murió en prisión; Federico García Lorca fue fusilado durante la guerra y Antonio Machado murió poco después de salir de España al exilio. De esta forma los jóvenes escritores quedaban huérfanos de posibles maestros, de transmisores de la tradición.
Pablo Ruiz Picasso, Guernica (1937)
Tras la Guerra Civil (1936-1939) el empobrecimiento cultural es patente. El panorama está marcado por una rígida censura. Se prohíbe publicar obras críticas con el régimen franquista (novelas sociales, novelas de los exiliados,…) y obras de corte innovador procedentes de Europa. La censura se muestra implacable en todo lo concerniente a los temas político, religioso o sexual. Incluso algunos de los escritores que no marcharon al exilio (caso de Dámaso Alonso o Vicente Aleixandre) nos dieron testimonio de la conciencia de “autocensura” con la que abordaban sus obras. El empobrecimiento cultural se vio agravado con la proliferación de una literatura nacionalista mediocre, la traducción de muchas obras irrelevantes artísticamente y la parcialidad manifiesta de la crítica literaria de la prensa franquista.

miércoles, 2 de mayo de 2012

LA GENERACIÓN DEL 27: EL EQUILIBRIO ENTRE TRADICIÓN Y RENOVACIÓN

Homenaje a Góngora en el Ateneo de Sevilla (1927).
De izquierda a derecha: Alberti, Lorca, Chabás, Bacarisse,
Platero, Blasco, Guillén, Bergamín, Alonso, Diego.

En la segunda década del siglo XX vienen a sumarse a los autores novecentistas y vanguardistas unos  jóvenes poetas que terminarán por formar un grupo poético de gran importancia en la historia de nuestra literatura, la Generación del 27. La fecha de 1927 hace referencia al homenaje que tributaron muchos de estos poetas a Luis de Góngora en el tercer centenario de su muerte. Integran esta generación de mayor a más joven: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Dámaso Alonso, Emilio Prados, Rafael Alberti, Luis Cernuda y Manuel Altolaguirre. Miguel Hernández, aunque más joven, ha sido considerado como un epígono de esta generación. Sin embargo, el entorno de esta generación se amplía a prosistas (José Bergamín, Max Aub, Francisco Ayala,...), filósofas (María Zambrano), pintores (Salvador Dalí, Maruja Mallo, Óscar Domínguez), cineastas (Luis Buñuel), músicos (Ernesto Halffter),...
Todos los poetas del 27 están unidos por lazos de amistad y, aunque siguen caminos personales distintos, muestran intereses literarios y estéticos afines. Todos ellos comparten la voluntad de integrar en sus obras la tradición y la vanguardia. Su estética busca el equilibrio entre diferentes formas de creación: conjugan la tradición literaria y la voluntad de renovación, prestan atención tanto a la poesía española como a la extranjera, cultivan tanto las formas métricas populares como las cultas, buscan la perfección formal de la poesía pura pero transmitiendo la experiencia personal.

viernes, 13 de abril de 2012

LA GENERACIÓN DEL 14: LA DEFENSA DEL "ARTE PURO"

En la segunda década del siglo XX se dan a conocer en España artistas e intelectuales que se oponen a todos los movimientos culturales del siglo XIX (Romanticismo, Realismo y también el Modernismo), a los que consideran trasnochados y caducos. 
Se les ha llamado "Generación del 14" porque la fecha de 1914 (comienzo de la Primera Guerra Mundial)  se toma como el final social, político y cultural del siglo XIX. A estos nuevos autores se les llama también novecentistas, ya que adoptan el nombre del nuevo siglo.
Se caracterizan por su rigurosa preparación intelectual, por tener una mentalidad más europeísta y racional que la generación anterior (a la que sí respetan) y por su concepción del arte como una actividad desprovista de emociones personales y de inquietudes políticas y religiosas. Defienden el "arte puro", alejado del subjetivismo y de los sentimientos, que solo aspira a proporcionar placer estético, y la "obra bien hecha" por lo que trabajan cuidadosamente todos los aspectos formales.
Pertenece a esta generación pensadores y ensayistas (José Ortega y Gasset, Manuel Azaña, Salvador de Madariaga, Eugenio D'Ors), científicos (Gregorio Marañón), pintores (José Gutiérrez Solana),  novelistas (Ramón Pérez de Ayala, Gabriel Miró), dramaturgos (Jacinto Grau) y poetas (Juan Ramón Jiménez).

jueves, 9 de febrero de 2012

HAIKU: EL MUNDO EN DIECISIETE SÍLABAS

HIROSHIGE, El mar y el monte Fuji

El mundo cabe
en diecisiete sílabas:
tú en esta choza.
Octavio Paz
Las Exposiciones Universales de la segunda mitad de siglo XIX pusieron de moda en Europa la exótica cultura japonesa: la pintura, la artesanía, las artes decorativas,... Y también surgió entonces la fascinación por la literatura del país del Sol Naciente. 
Los autores simbolistas franceses descubrieron los haikus y los tankas, dos géneros poéticos japoneses. Y de los franceses se contagiaron los modernistas hispanoamericanos y españoles. El haiku  fue muy imitado  desde entonces en castellano y en otras lenguas europeas. Interesó y cautivó a poetas españoles como Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez o Federico García Lorca.

El haiku está compuesto por tres versos: el primero de cinco sílabas, el segundo de siete y el tercero de cinco sílabas, sin rima.  Suele tener como tema algún aspecto de la naturaleza y se caracteriza por la naturalidad, la sencillez  y la intensidad. En este enlace (LOS HAIKUS) encontrarás más información acerca de los haikus  así como varios ejemplos de autores españoles e hispanoamericanos. 

Otros enlaces de interés para leer y escribir haikus son estos:

Nos planteamos un desafío: imitar a los poetas japoneses. Vamos a escribir cuatro haikus en nuestro Cuaderno de escritura teniendo como motivos de inspiración o bien las estaciones del año o bien diferentes obras artísticas de finales del siglo XIX y principios del XX. Si te sientes inspirado puedes escribir haikus de las dos series:
  • Como ya hiciera el maestro del género, Matsuo Basho, puedes escribir un haiku de cada una de las  cuatro estaciones, siguiendo las reglas métricas y estilísticas comentadas. Expresa en esas diecisiete sílabas qué te sugiere cada estación, qué estado de ánimo te evoca, qué detalle recuerdas, ...
Para hacer un buen trabajo, no olvides las palabras del maestro Matsuo Basho: 

No sigas las huellas
de los antiguos
busca lo que ellos buscaron.  

El plazo de entrega de esta nuevo ejercicio del Cuaderno de escritura termina el próximo 29 de febrero.

miércoles, 26 de octubre de 2011

LA HUELLA DE BÉCQUER: LA MODERNIDAD DE LAS RIMAS

-¿Qué es poesía?, dices, mientras clavas
en mi pupila tu pupila azul,
¡Qué es poesía...! ¿Y tú me lo preguntas?
Poesía... eres tú.
 Toda la poesía española del siglo XX (y del XXI) tiene su punto de partida en Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870). 
Los poetas Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Miguel de Unamuno, Luis Cernuda y Rafael Alberti así lo manifestaron: se consideraron sus discípulos y valoraron la modernidad de su poesía.
Este es uno de los motivos por los que comenzaremos a leer las  Rimas, además de por sus valores propios: la profundidad de sus versos, la hondura  de su sentimiento, la delicada musicalidad, la aparente sencillez fruto de un enorme trabajo, su autenticidad.
Son setenta y seis poemas en los que Bécquer se plantea cuestiones tan eternas como personales: el amor, el dolor, la soledad, la muerte o la creación artística en sí.